Mi hermanísima está hasta los mismísimos de lamentaciones por la muerte de Whitney Houston. Afirma que a pesar de ser una lástima no es lógico elevar a los altares a quién sabe que está acabando con su vida y aún así continúa su camino al nicho. Llámese Whitney, Michael o cómo quiera a quien le acompañen un montón de ceros en el apellido con la fama y prestigio que los ha generado.

Le iba a comentar tan pancha en su muro de facebook pero ha sido a mi en esta ocasión a quien le han dicho que el texto era demasiado largo,así que ,ahí va:

James Dean dijo Vive rápido, muere joven y haz un hermoso cadáver.Quien conoce la historia de Jimmy, la que nos ha llegado, dice que el accidente de coche que se lo llevó al otro escenario podría haber sido involuntariamente provocado por el actor.James Dean era una persona difícil, un joven marcado por una infancia jodida que moldeó un carácter atormentado,en constante depresión. Un chaval de 24 años que se enamoró perdidamente de Pier Angeli (que se suicidó con 39 años,otra depresiva constante  que se casó con Vic Damone);en la mayoría de sus biografías se escribe que Jim no superó ese trago. Ni ese ni el éxito ni Hollywood,esa tierra de diablos vestidos de Prada.Al Este del Edén, Rebelde sin Causa y Gigante,cuyo estreno no llegó ni a ver componen su filmografía. Hasta hoy ,actor fetiche,estrella para los restos e incluso víctima de un asesinato según los teóricos de la conspiración. Fue una puta lástima y a mi, que ni de coña estaba ni encargada para venir a este mundo, me jodió sobremanera cuando mi madre me dijo que estaba RIP.¡Coño, que lloré!

El misterio de la muerte de Marilyn no ha sido jamás tal misterio para la mayoría porque no lo es. Carácter inestable, infancia de mierda, adolescencia jodidísima, títere de La Indústria, constantes depresiones, intentos de suicidio ( algo así como 3 ó 4),alcohol y barbitúricos sumado a meterse dónde no debía fueron los ingredientes nefastos que la llevaron a la muerte.Es una estrella, aún hoy.

Judy Garland,con 47 años, mismo perfil, mismos motivos, Monty Clift, Sal Mineo, Vivien Leigh, Janis Joplin, Kurt Cobain,Jim Morrison,Jimmy Hendrix y de épocas no tan lejanas tenemos casos como el de  River Phoenix, Heath Ledger,   Brad Renfro,Jonathan Brandis, John Belushi, Chris Farley,Michael Jackson,  Corey Haim,Amy Winehouse…¿sigo?

No hace falta.El común denominador de todos ellos fueron los excesos, la inestabilidad, la soledad entre las masas, la fama y el dinero. ¿Hay que santificarlos? No, sólo reconocer  y alabar sus méritos profesionales.Pero, ¿hay que demonizarlos? Tampoco. Whitney Houston es la más reciente de la lista de muertos por su propia mano y la de sus jodidas circunstancias. Su voz desapareció hace muchos años, antes de cargarse sus cuerdas vocales ya era muda y sorda de la peor manera que alguien puede serlo, que cualquiera puede serlo. El dinero, la fama y el prestigio no excluyen la soledad, los traumas , los problemas personales, las parejas equivocadas, la debilidad de carácter-que no es un pecado sino una putada- ni la inmadurez. Creo que para enfrentarse al éxito hay que tenerlos muy bien puestos, ser capaz de abstraerse de la sociedad, de prescindir de la opinión ajena, de no olvidar que eres la golosina del momento, que lo tuyo es un trabajo y que como todos los trabajos un día desaparece;hay que prepararse para el momento del declive, que siempre llega, crearse opciones cuando aún se está a tiempo, no olvidar que sin ropa somos todos igual de feos ( o guapos),vamos. Los pozos de mierda no son elitistas, se tragan a cualquiera y cada cuál conoce los recovecos del suyo pero nadie puede adivinar de qué color es el infierno ajeno.

Anoche tuve  el gusto de ver una serie nueva como las de antes. Una serie de calidad, con sus criados, sus señores, esas damas con sus exquisiteces. Una familia viviendo en un pedazo castillo y con toda esa servidumbre, tan educada, tan señorial, tan en su sitio. Porque ese saber estar se ha perdido. Ahora la servidumbre no es como la de antes, ahora te tutean, como mucho te roban  la cartera o te mangan los perfumes, pero ya no encuentras una doncella que te haga la pelota y luego por detrás ande maquinando maldades para poner la zancadilla al resto del servicio. Porque en esta serie, el servicio es de armas tomar. Pero no es de esto de lo que yo quería hablar. Es que viendo esta serie he comenzado a recordar tantas y tantas vistas desde mi infancia.

Comencé a acordarme de aquella maravillosa Poldark. Ese hombre cabalgando por esas colinas inglesas detrás de su Demelza. Aquella pelirroja a la que se fornicaba en pleno monte. Y que decir de Arriba y Abajo, muy del estilo de esta nueva que acaban de estrenar en Antena 3.  Yo veía Poldark a escondidas, por la rendija de la puerta del cuarto de estar, porque mi madre decía que era para mayores. Igual me pasó con Yo Claudio. No se me olvidarán aquellas orgías que montaba Calígula y cuando mataba a sus hijos. Esa tampoco me dejaban verla, pero yo me escondía para hacerlo.

Tras “Hombre Rico, Hombre Pobre” y “Capitanes y Reyes”  vinieron otras. Yo me quedo con “Verdi” y con “Retorno a Brideshead”, pero, seamos francos. Las series por excelencia fueron aquellas que nos mostraban a una familia de horteras, ya fueran en la América profunda o en unos viñedos sofisticados.

Quien no recuerda Dallas… tachán, tachán, tachanchanchanchanchan, chan chan chan chan cha chan…… Aquella familia que lucía los sombreros tejanos más grandes que haya visto la humanidad, con aquel viejo insoportable y su mujer, siempre con cara de estar extreñida mientras lloraba. Ese tremendo JR. Que cabrón era el tío¡¡ con esa sonrisa de hijoputa. La borracha de su mujer, Sue Ellen. Que alcoholica más salá¡¡ Y luego los vomitivos Bobbie y Pamela. Joder, que asco de matrimonio, tan pegajoso, tan sufrido, tan buenos ellos. Te provocaban arcadas. Más tarde llegó la sobrinita, aquella enana de tremendas tetas. Tenía unos melones más grandes que su cabeza. La sobrinita en cuestión, la tal Lucy, era más puta que las gallinas.

Flamingo Road fue otra que hizo las delicias marujiles. El Senador Carlyle que estaba de tomapanymoja, la Lane Balloo que trabajaba en un club nocturno pero NUNCA EJERCIA DE PUTA. Enamorados ellos dos en un amor imposible. El Seriff Tate, que lucía sombrero tipo JR y bigote tipo Pancho Villa. Este era el malo. Sam Malone, el bueno y sufrido eterno enamorado de la noputa. Y la mala, la barbie recauchutada con uñas kilométricas casada con el senador haciendole el hombre más desdichado del mundo.

Dinastía nos contaba la misma mierda pero cubierta de un esplendoroso glamour. Los Carrington. El viejo siempre justo, con una hija ligera de cascos y un hijo maricón. Su segunda mujer siempre lloriqueando, que parecía la madre Teresa de Calcuta, su enamorado que estaba casado con otra que también era muy buena. El marido de la hija ligera de cascos que estaba hasta los cojones de lucir cuernos y la EX del viejo. Aquella tremenda Alexis. Esta si que molaba. Por lo menos tenía sentido del humor con esa lengua viperina. Y el mayordomo, Joseph. Una serie sin mayordomo no es una serie que se precie.

Luego le salieron aquellos familiares lejanos, Los Colby, que eran un calco de ellos pero en plan petrolero. La Colby madre parecía una loca, siempre abriendo los ojos como platos. Yo creo que era porque los tenía pequeños y quería lucir pestañas.  Y el Colby pater era aquel inefable hombre del gesto único, Charlton Heston. Ese hombre que siempre tenía la misma cara ya tuviese una alegría o sufiera un apretón. De su extensa familia no me acuerdo pero, a buen seguro, habría una puta , una sufrida cornuda, un hijo perdido y alguna nieta drogadicta.

Y llegamos a la reina, a la serie por excelencia, la maravillosa FALCON CREST. Esta era sin duda la mejor. Aquella típica familia donde todos se amaban/odiaban a partes iguales. Los ricos, los venidos a más, los hijos putativos, el cura… A mi personalmente me encantaba la mala malísima. Angela Chaning. Aquella mujer enanita que llevaba cortado el pelo como los Barriguitas. Pequeñita ella, subida en aquella escalinata de su tremenda casa y con esa sonrisa maquiavélica tipo Esperanza Aguirre, siempre acompañada de su fiel Chu Lí. Chu Lí no era ni un oso panda ni un perro. Era su criado chino.  Richard Channing era el que me volvía loca. Aquel hombre tan malvado, cínico y con esa sonrisa maliciosa. Tan guapo, y cojo. Porque era cojo. Yo creo que el bastón era lo que le daba el puntito…. Ahora que lo pienso, House tiene un poco de Richard Channing. Del otro lado estaban los Giobberti. El ala buena de la familia. Tan buenos que daban asco. Sobre todo Chase, con aquella boca chocho que me recordaba al de Cine de Barrio, ¡que asco¡¡. Luego apareció un cura que hizo las delicias de La Salus. Y Melissa, que no dejaba pasar oportunidad de pasarse por la piedra a todo bicho viviente, incluído el cura. Ésta tenía multiple personalidad, porque una temporada era buena y otra temporada era mala, así sucesivamente. También estaba el nieto tonto, la hija medio alcohólica, la hija con retraso…

Tras Falcon Crest no volvieron a poner una sola serie en condiciones. Los culebrones venezolanos coparon la sobremesa y los Carlos Alfredos y Cristales desbancaron a estos sacrosantos personajes.

Ahora Antena 3 nos ha sorprendido con esta estupenda serie inglesa. Por fin un buen motivo para no irse a la cama.

Cuando Crash logró hacerse con el éxito ( aún) merecido , temí que dentro de su más viciosa tradición,Hollywood iniciara la típica quema de la fórmula que funciona. Por suerte y al margen de un par de intentos mediocres no fue así.No inmediatamente, al menos.Ha sido el propio cine independiente “comercial” el que tras unos años de luto ha reciclado el formato cambiando el tema.

Y en el título ya nos lo encontramos pues Crossing Over se refiere al entrecruzamiento cromosómico, es decir, la mezcla genética,así que olvidáos del Territorio Prohibido traducido que de nuevo se han quedado a gusto.En la película, Harrison Ford interpreta a un cansado policia de inmigración que no logra desentenderse de las consecuencias de su trabajo, con las deportaciones que conlleva, y que ha convertido su vida privada en un pseudo-voluntariado. La conciencia no le pesa, le aplasta. Como estamos ante una película coral, paralelamente tenemos a Ashley Judd encarnando a una abogada de inmigración especializada en víctimas infantiles y a su marido,el casi olvidado Ray Liotta en el papel de un Agente de Inmigración muy aburrido y muy hijoputa,como no podía ser de otra manera en el caso de Liotta.

Mientras nos conducen por las hebras de este tejido,muy al estilo Altman,nos percatamos que el paseo se parece más a una cuesta de la que no acabamos de ver la cumbre.En Crash veíamos lo malos y buenos que somos, siempre con una explicación al margen.En Crossing Over el objetivo es de plástico, se llama carta verde y las explicaciones se convierten en advertencias para los inmigrantes que tengan a bien en verla.Los ejemplos vienen de la mano de una inmigrante mejicana que desencadena la historia, el compañero iraní de Harrison Ford, Hamid,que no acepta la relación que su hermana está teniendo con un hombre casado;  una inmigrante australiana  que busca legalizar su situación,un joven inmigrante británico que buscará integrarse en la religión hebrea, una adolescente de Bangladesh que intenta que en su escuela traten de entender a los terroristas suicidas del 11-S y un estudiante surcoreano a punto de obtener la legalidad y que se resiste a participar en un robo que acabará de forma fatídica.

Es cierto que la película busca concienciar sobre lo mal que lo pasan pero también refleja las dificultades que tienen para adaptarse,dificultades que no siempre son piedras puestas por el país en el que han buscado refugio. Son las siempre presentes incompatibilidades éticas, religiosas,educacionales, y al final todo se reduce a la voluntad de integrarse o no.

Película correcta que personalmente disfruté pero que acusa algún momento de extrema lentitud,ciertos momentos vacíos y un desliz interpretativo de Harrison Ford. O eso, o es que yo lo veo muy exagerado porque más que aburrido y cansado  a veces parece muerto ( y perdón).

Se ha ido con 77 años. John Barry me enamoró con una partitura que no pertenecía a la saga Bond, de la que yo era  entusiasta con diez añitos. Por desgracia llegué a aburrirla gracias a las cada vez más presentes referencias tanto en el ámbito musical serio,en el que se le intentó imitar sin éxito, como en las comedietas de tres al cuarto que utilizaban el tema de 007 como guiño.

La partitura de la que hablo es la de Chaplin. No estaba yo muy puesta en música de cine hasta que Barry me poseyó en 1992 con esa magnífica obra.El artista fue el responsable de que a partir de entonces mi interés por ello fuera en aumento y se mantuviera por años.Pero cuando Chaplin inundó mi habitación, Barry llevaba la friolera de treinta años en esto. ;John Barry fundó en 1957 un grupo de jazz, The John Barry Seven y tuvieron un par de éxitos importantes en el pop con temas instrumentales,lo que significó la invitación  a crear el tema de 007.Su primer trabajo como compositor lo firmó en 1960 pero sería 007 quien le haría famoso un par de años más tarde.

En una entrevista en 1991, el músico y compositor hizo gala de buen humor británico cuando manifestó:

Mi éxito no fue tan difícil; si te topas con la fórmula correcta,si tienes instinto para la música, si lo aplicas, si tienes la fortuna de encontrar ciertas personas que te enseñen bien,…yo no lo encontré tan difícil.

Entre su considerable obra como compositor (110 títulos),cabe recordar las partituras para películas como María,reina de Escocia (1971.Oscar), Las Aventuras de Alicia, El zoo de cristal, Midnight Cowboy, En algun lugar del tiempo, Memorias de África,Bailando con Lobos,  Howard,the Duck, Peggy Sue se casó, Una Proposición Indecente o La Letra Escarlata. Destacaba en su estilo inconfundible la nostalgia y en muchas ocasiones la tristeza de corte elegante que imprimía a sus obras.Aunque en algunos casos pecara de cierta  languidez es indiscutible su gran sensibilidad y su maestría.

De todas formas, si os gusta John Barry y aún no tenéis Eternal Echoes,deberíais escucharlo. Es delicioso.

John Barry en IMDB

Si los autores de propiedad intelectual están preocupados por la pérdida de beneficios por las descargas ilegales, no tendrán que preocuparse por las supuestas pérdidas que supondría descargarse la nueva película de Eastwood. Los amantes del cine jamás nos permitiríamos visionar este film en una calidad pésima y sentados en casa. Más bien seríamos de los que nos compraríamos el DVD en edición de lujo.

No me importa gastar mi dinero para sentarme en una sala de cine, frente a una pantalla inmensa y dejarme llevar por una “inmersión” en esa sala oscura donde, durante dos horas, mi mente es capaz, sólo en este templo sacrosanto, de dejar de funcionar para concentrarse unicamente en la contemplación de una obra maestra. La satisfacción que supone para mi, cuando finaliza el film, de saber que cualquier cantidad pagada ha sido bien empleada, es comparable al estado de comunión que debía experimentar Santa Teresa de Jesún al contactar con el Altísimo.

Es cierto, Hereafter (Más allá de la vida), me ha parecido una obra maestra. Que nadie se rasgue las vestiduras. Se que esta opinión será contraria a muchos pero yo adoro a Eastwood y siempre conecto de una manera absoluta con todos sus films.

Y, sin embargo, desde que comienza, uno tiene  la sensación de que esta película de Eastwood no es de Eastwood. Tan solo esa sútil, delicada y sencilla banda sonora (música sello de la casa y creada por el director) te sugiere constantemente que es él y no otro el que ha creado semejante delicadeza de película.

Sí alguien espera un thriller sobrenatural, como he leído en algunas críticas e informaciones sobre la película, se va a llevar una sorpresa. No es un thriller y mucho menos sobrenatural. Si la película recuerda a Mr. Night no es precisamente por lo sobrenatural del tema, sino por las preguntas metafísicas que todo ser humano se plantea a lo largo de su existencia.

Tres personajes distintos y separados geográficamente se enfrentan a un hecho tan traumático como es la muerte. Tres personajes que tras un hecho así han de reconstruir su vida y seguir adelante asumiendo dicha experiencia y comprendiendo que lo que deja tras de sí es mucha soledad. 

Tres personajes que han de interiorizar dicha soledad y construir a partir de ese sentimiento una existencia que nunca volverá a ser la misma.

Una mujer que ha estado a punto de morir. Algo así te hace replantearte toda una vida, toda tu vida, y comprender que ahora has de responderte a cosas que nunca antes habías valorado, ni siquiera te habías planteado. 

Un hombre que tiene la facultad de contactar con los muertos y el dolor que eso supone. La soledad a la que se ve avocado por no saber como afrontar esa facultad y el distanciamiento que le obliga a mantener del resto de los seres humanos. Un hombre que se ha sumido en la tristeza que dicha soledad le ha reportado.

Un niño que ha perdido a su hermano, única persona en la que se apoyaba para sobrevivir en una realidad familiar que lo devora. Una infancia solitaría y tremenda en una familia desestructurada.

Y toda esta tremenda soledad contada de una manera sensible, sútil, delicada, profunda, por un director que, solo su madurez y su vejez, le han permitido plasmar desde la sabiduría y la experiencia propia. La vida.  

Eastwood nos sumerge dentro de los personajes, nos hace sentir su desconcierto, su sensación de pérdida, su miedo, su fragilidad ante la muerte. Nos enseña cuan desprotegidos y solos estamos cuando llega la muerte, en todas sus formas, a nuestras vida. Y cuando nos llega la inevitable pregunta que todos deberemos hacernos: ¿Habrá algo al otro lado?

Sin embargo, a mi entender, no es esto lo más importante de la película, ni siquiera el tema central. No es saber si habrá algo al otro lado sino comprender que la vida en sí hay que vivirla porque se acabará, tarde o temprano, se acabará. Comprender que, por muy difícil que sea enfrentarse a algo así, hay que seguir y asimilar que hay que seguir viviendo a pesar de ella. La muerte es parte de la vida, son indivisibles. Una forma parte de la otra. Como diría Mufasa: “Es el ciclo de la vida”

Imposible no llorar ni emocionarse durante el metraje. Imposible no sentir un nudo en la garganta que va subiendo y que, finalmente, aunque no quieras, provoca que tus lágrimas resbalen mientras contemplas como las lágrimas resbalan por el rostro de ese niño destrozado por su pérdida.

Imposible no indignarse cuando Eastwood te muestra como hay gente desalmada y sin escrúpulos capaces de hacer negocio con el dolor ajeno. Videntes, embaucadores que aparecen anunciando sus poderes a través del nuevo dios de nuestra era. El que da todas las respuestas. El dios actual: Internet y su nombre, San Google.

Y, finalmente, la esperanza. Agridulce, pero esperanza al fin y al cabo. Nadie vuelve de la muerte y nadie reemplazará a los seres perdidos pero los que quedan serán capaces de seguir adelante a pesar del dolor y la pérdida. Los que se quedan serán capaces de encontrar una paz interior solo cuando asumen que las cosas son así. Cuando se respondan así mismos a todas esas preguntas incontestables, porque nadie sabe que pasará después de vivir. Y cuando comprenden que no somos tan diferentes y que siempre podemos encontrar el calor y la comprensión, la empatía, en alguien que, por muy lejos que geográficamente estén separados de nosotros, acabaremos encontrando.

Y si. Cuando la película finaliza te reencuentras con Eastwood y te dices a ti misma que no podía ser otro. Que definitivamente si es una película del genial director. Porque es su sello plasmar con tanta sencillez sentimientos, miedos y experiencias tan complicadas. Y al final, su música, siempre su música. Esa partitura de piano y guitarra que lo envuelve todo.   

QUE PLACER IR AL CINE Y SALIR CON SEMEJANTE SATISFACCIÓN MIENTRAS TE LIMPIAS LAS LÁGRIMAS Y TE SUENAS LA NARIZ.

Una monada.¡Qué voy a decir! Como enamorada de las creaciones de Disney, encuentro una monada la Rapunzel del XXI. Pero como siempre,me sorprendí torciendo el gesto, y no me gusta esa expresión mía.Primero porque estoy horrible y segundo porque en cuanto siento como mi cara se transforma,ya no disfruto igual de la película.

El guión correcto, sin aspavientos.Pero sin lugar a dudas el fuerte de los estudios es los personajes secundarios: Pascal y Max. Impresionantes, divertidos,sin decir ni mu tienen más fuerza,más garra,más encanto y más arte que cualquiera de los partenaires humanos, y eso que son encantadores. Las mejores escenas se las han agenciado un camaleón y un caballo y no hay más que hablar. Hay una excepción, como en toda buena regla, y es la escena de Rapunzel  escondiendo en el armario a Eugene.Me recordó a mi prima cuando éramos pequeñas y se empeñaba en que sus mil doscientos juguetes cabían en el armario,aunque se le hubieran caído en la cabeza cuatro o cinco veces. Eso es lo que tiene la película de encantador, el humor, y Dios sabe que nos hace mucha falta.

Los fallos son dos, gigantescos,tan grandes que parece ridículo que a estas alturas se cometan: la mala, la secuestradora-madre cruel,sin gancho, sin humor, sin gracia y encima ni es fea ni es bella, es,sin más. ¿Dónde han quedado malos de la talla de Hades o de Scar? Y el peor fallo para mi: la insistencia en el tema canciones. La banda sonora,obra del genial Alan Menken, bastaba. Pero como estamos en la era neo- musical,en la que parece que a toda película enfocada al público infantil-juvenil tiene que estar cargadita de canciones,pues ála, canciones pa’lante.No son malas canciones,solo que no eran necesarias.

Impresionantes acabados, eso sí. El cabello-melenón de la dulcísima Rapunzel es,además de precioso, impactante en algunas secuencias.Pero por más que repaso mentalmente escenas de la película buscando alguna más que destacar siempre me acuden las mismas: todas en las que un pequeño camaleon de ojos saltones y un hermoso caballo blanco con muy mal genio se erigen en reyes de la sala.

*contiene spoilers*

Nada nuevo. Cogemos las máquinas de Matrix, las aderezamos con una ligera esencia de District 9, metemos a unos cuantos individuos diciendo cuatro chorradas y voilà! ya tenemos un ¿blockbuster? Lo dudo.

Pero vayamos al principio. El trailer engaña descaradamente. Con la pretensión de anunciarse como lo hiciera en su día Monstruoso,en plan reportaje en directo,y utlizando con descaro a los nostálgicos de ID4, te cuelan una mentirijilla presentando la película con una voz en teoría de televisión anunciando que el ataque es global.En toda la película no se sabe-hasta casi el final- si está pasando en todas partes aunque presumes que sí por lógica.Pero el colmo del chiste es que la única vez que vemos un plató de televisión es cuando constatan que ni dios emite.No hay noticias porque no hay gente.Punto.

Y es que estamos ante una película de ciencia-ficción/terror,y os aseguro que terrorífica lo es por lo mala. Lo que me he reído leyendo la ficha del film en otras webs en las que en género se les ha ocurrido poner bromas como terror paranormal ( un poco paranormal,sí) o fantasía-de autor.Con dos coj…

(Sky)line argumental

Advertencia: la reviento

Grupo de amiguetes se despiertan por fuertes temblores de tierra y luces muy intensas que pronto descubren tienen el poder de atraparlos y trasladarlos a las naves nodriza emisoras para nueva residencia.Si las miran, están jodidos. Grupo intenta huir de la ciudad y ni consiguen salir de edificio sin que en cada ocasión pierdan a alguien.Grupo se reduce a dos que también son capturados (lo que hace el amor) y trasladados después de tirarnos 80 minutos visualmente potentes pero argumentalmente patéticos. En 8 minutos descubrimos que los cabrones herederos de Matrix quieren  nuestros cerebros para ponérselo a los suyos y que el amor traspasa cuerpos y genética cuando se trata de salvar a quien amas sin que sepamos si el colega transformado logra salvar a su embarazada novia,pues lo dejan en abierto,pero abierto ¿eh?

Nuevos maestros de nada:el club de los cuatro

Veamos qué tenemos:

Guión:Liam O’Donnell y Joshua Cordes. Currículum: O’Donnell,trayectoria profesional íntegramente desarrollada en efectos visuales de varios blockbusters ( esta vez sí);esta es su primera intrusión en el mundo del guión cinematográfico.Cordes:Ídem.

Dirección: Hermanos Strause.Currículum: Pin y Pon son especialistas en efectos visuales y responsables de los mismos en películas como Los cuatro fantásticos y El día de mañana.Como directores,tienen buenas referencias por spots de Coca-Cola, Sony Playstation o Universal Studios y videoclips de Nickelback o Disturbed. En el mismo mundillo, el del videoclip, han encabezado los efectos visuales de videos de U2 o Aerosmith.Fin.

Y los cuatro han trabajado juntos en muchas ocasiones,vamos, que se me antoja que Skyline es una reunión de colegas con cámara y ganas de liarla. A mi,personalmente,me avergonzaría que mi primer guión fuera un refrito mal hecho de películas icónicas. Me daría por saco que mi presentación en sociedad fuera recordada como un proyecto de videojuego que se quedó en película.Y ¡ojo! como videojuego sacarían mucha pasta. Que sí, que no están nada mal los efectos visuales,pero la película está reducida a un despliegue de técnica sin corazón. Es como si a cuatro Peter Pan capullos les hubiera tocado la lotería y sufrieran de una excesiva dosis de aburrimiento. ¿Por qué un técnico en efectos visuales no se vuelca en convertirse en el mejor técnico en efectos visuales y deja las áreas de guión y dirección para los que realmente son guionistas y directores?

Salí del cine riéndome para mis adentros;¿los aliens quieren nuestros cerebros para funcionar? Pero,¿qué pretenden?¿EXTINGUIRSE? Pues podrían haber empezado por los cuatro fantásticos.

Zack Snyder pinchó con la (incomprendida) Watchmen  a pesar de su más que correcta factura técnica y en parte por eso sabía que me iba a gustar Ga’hoole. El otro motivo por el que iba a disfrutarla era por que ya sabía que era la adaptación de tres de los quince libros creados por la escritora Kathryn Lasky,uno de los cuales me había leído hacía tiempo. El resultado superó mis expectativas,aún no habiéndola disfrutado en 3D.

Pero vayamos por partes,que diría Jack. Técnicamente es espléndida. El realismo impreso tanto en los animales como en los decorados es impresionante, muy detallista  y fiel. No sólo las diferentes razas se distinguen entre ellas con facilidad,sino que miembros de una misma familia tienen rasgos diferenciales que posibilitan su localización incluso en los veloces momentos épicos. Y el rasgo que más se han trabajado han sido los ojos, con lo cual la película puede presumir de tener algo que le falta a muchas producciones familiares o para jóvenes:tiene alma. Y la música de David Hirschfelder envuelve el conjunto en un abrazo coral que convierte la animación en un deleite.

Aquí os dejo una pieza de las 14 que forman la bonita banda sonora:  More Baggy Wrinkles

He leído por la red críticas de algunos compañeros que acusan a Snyder de abusar de la cámara lenta, pero yo no estoy de acuerdo.Creo que hace uso de ella en momentos clave y con un tiempo de vida muy limitado, por lo que no se hace pesada ni perjudica el ritmo de la película.

El tema es clásico, con (intento de ) fraticidio incluído,pero lo interesante es que hay momentos en que trasciende la animación y puedes olvidarte de que ves lechuzas. Y aquí es donde debo hacer hincapié en un tema muy típico de CPC: el concepto.

Mientras en EEUU el término OWL se aplica igual a búhos que a lechuzas, en España no. La diferencia entre unos y otros es la forma de la cabeza y que los búhos tienen esas plumas a los lados que semejan orejitas. Lo que aparece en la película mayoritariamente son lechuzas, aunque por ejemplo Digger es un mochuelo ( el de la primera foto del post), pero en la RAE veréis que cada uno tiene su sitio. Me he cansado de leer en medios profesionales como hablando de Ga’hoole hablan de búhos,leñe.

Sí he de decir lo primero que se me pasa por la cabeza tras ver esta película es: estupefacción. Descolocada. Eso es. Descolocada.

Sales del cine con la sensación de que te falta algo, de que se escapa algo. Como si te hubiesen dejado a medias. Con la película a medio terminar. Tienen que pasar horas para que comprendas que no es así. Hay que digerirla, pensarla, rememorarla y, sobre todo, analizarla. Darle vueltas y vueltas. Y hay que verla de nuevo. Hay que revisitarla para volver a escuchar esos mensajes en off de una emisora de radio, que te bombardean en cada escena y a los que no prestas demasiada atención. Mensajes que se graban en el inconsciente y que tienen mucho que ver con la historia que estamos viendo.

Mensajes de gente que llama a una emisora explicando como han encontrado el camino, la salvación a través de las creencias en dioses distintos, pero dios al fin y al cabo. El ser humano se agarra a un clavo ardiendo cuando está perdido. Y, generalmente, el ser humano está perdido.

Una película de personajes. Y cada personaje es simbólico. Y un montón de preguntas sin responder.

¿La gente puede cambiar?

¿El destino existe?

¿Ya está todo escrito?

¿Hay salvación?

¿Existe difencia entre lo bueno y lo malo?

¿Hay buenos y malos?

¿Dónde está el infierno?

Stone es Edward Norton pero también es simbólico su nombre. Es una piedra, y tendrá que vivir muchas vidas para ir subiendo de escalón a medida que se redime de tus pecados.  Y esa redención la vemos a medida que transcurre la película.  La vemos en su físico. En su transformación. Porque deja de ser una especie de pandillero para aparecer como un individuo aparentemente normal, de los que te cruzas a diario por la calle. Y pasará de ser piedra, hierba, arbol, animal, humano…

De Niro es el oficial de libertad condicional que tendrá que decidir si Stone se merece esa libertad. Sí ha cambiado (Stone participó en el asesinato de sus abuelos y quemó la casa donde estaban para borrar pruebas).

De Niro, aparentemente una persona respetable y respetada. Casado con una mujer religiosa y amante esposa. Aparentemente. Y el infierno existe. Porque el infierno lo lleva cada uno en su interior. Todos llevan ese infierno. Stone lleva el infierno de un crimen en su interior. Y De Niro y su esposa llevan el infierno de una vida oscura, triste y claustrofóbica que ninguna ha intentado cambiar. Ninguno de los dos son inocentes. El chantajeó y ella se rindió. Su esposa (Frances Conroy) esconde su propio infierno y se agarra a una biblia y al whisky como un naúfrago se agarra a una tabla. Y el destino parece estar escrito. Pero ellos son los que han decidido su destino. 

Impagable la escena en la que ambos, borrachos, descargan su agríado odio el uno contra el otro mientras se ríen patéticamente.

 Solo Stone parece darse cuenta de la realidad que puede salvarles: en algún momento habrá un click. Sonará un click que conseguirá que dejes de oir todo lo que te aturde para escuchar la señal que te hará tomar las riendas de tu vida y avanzar.

Aunque para algunos sea demasiado tarde.

De Niro ha perdido la fé. Su mujer se ha enterrado en ella hasta ahogarse. Stone la ha recuperado, asumiendo sus actos y aceptándolos. Entendiendo que para seguir hay que asumir que uno es como es y sus actos no son más que parte de lo que uno es en su interior, en su esencia.

Y luego está Luccetta. La mujer de Stone. La única que no cree en nada. Ella dice: Dios no existe. Y por eso es el único personaje que no parece moverse a la deriva, el único que no tiene sentimientos de culpabilidad. Que no tiene conflictos éticos porque para ella no existe ni el bien ni el mal. Tan solo existe la manera que tiene de manipular. Su capacidad para utilizar a las personas. Y lo consigue a través de su sensualidad. Tan solo pierde, por un momento, el equilibrio cuando esa sensualidad le falla. Cuando no consigue lo que quiere de De Niro.

Y al final, Stone, consigue tomar las riendas de su vida y elige cambiar, seguir hacia delante.

La esposa de De Niro, por fin, toma la decisión que lleva aplazando 40 años, pero es tarde. La vida se le ha escapado.

De Niro se hunde porque ya no tiene fé en nada. Ninguna tabla a la que agarrarse.

Y Luccetta (Milla Jovovich)sigue sin creer en Dios, porque su único dios, su única tabla, es seguir manipulando a los hombres que la rodean.

Y el mensaje final es que todo tiene un porqué y todo está finalmente escrito. Nuestro destino no está en nuestras manos sino que es la consecuencia de una serie de acontecimientos que debían de ocurrirnos por una y otra razón.

Y es en lo único que discrepo con el planteamiento del director (John Curran -El velo pintado) es en la idea de que todo está escrito. No es así. Nosotros somos dueños de nuestros actos y cada una de nuestras decisiones, a lo largo de nuestra vida, son las que conforman el camino por el que vamos avanzando. Somos nosotros los que avanzamos o nos estancamos. Eso si. El infierno existe y lo llevamos cada uno en nuestro interior. Solo necesitamos un click, el zumbido de una abeja para conseguir decir: voy a salir de él.

Solo un apunte más: Los cuatro actores están brillantes

Los que hemos sido, y somos, amantes del cine antes que padres, sabemos el sacrificio que conlleva la mater/paternidad. Uno pasa de ver cine de autor o películas de corte serio/violento/erótico, etc, a  ver películas Disney de dibujos animados. Empezamos a descubrir  Pixar  y dibujos   de todo corte y tendencia. Mi relación con Bob Esponja ha degenerado en un amor/odio que ni yo misma acierto a comprender.

Los primeros años uno renuncia a ir al cine. Ese lugar sacrosanto donde una cocacola y unas palomitas, mientras  visionas una obra  maestra, se transforman en un Vega Sicilia  y un solomillo de buey al punto. Cuando vuelves a pisar una sala  te das cuenta de que has de hacerlo para tragarte  algún film tipo Alvin  y las Ardillas (señor, que jartura) o Kika Superbruja (infumable).

Un buen día te sorprendes y descubres UP. Y te descubres llorando cual magdalena en los primeros 5 minutos de metraje. Pero claro, UP es una obra maestra. Una película impecable.

Tan recomendable como El Rey León, cuya banda sonora no deja indiferente a nadie,   o Hermano Oso, que veo muy a menudo sin que me resulte tediosa.

Pero, dejando a parte la animación, he de recomendar una película que me ha gustado. Si, me ha gustado. Una película infantil pero que entretiene. Nanny Mcphee y el Big Ban.

Sorprende encontrar a actores consagrados como Emma Thomson, Ralph Fiennes,  Maggie  Gyllenhaal, Maggie Smith. Ewan McGregor o Rhys Ifans, entre otros.  

Una película que lanza mensajes reconfortantes a nuestros “enanos”. Lejos de las luchas, peleas, batallas y patadas de kárate, en esta película encontramos que la disciplina es algo saludable, que el respeto y el cariño son necesarios, que la confianza y el respeto, así como el apoyo y la ayuda de otros es imprescindible para seguir adelante. Una película que ensalza la  valentía, la confianza en uno mismo, la amistad y la lucha por lo que uno cree. Todo ello aderezado con humor, imágenes increíbles, fantasía a raudales y unos efectos especiales logradísimos.

Una película realmente encantadora para disfrutar con esos pequeños demonios que no nos dejan ni un minuto libre.

Y, todo hay que decirlo, con una escena impagable que hizo me rindiese a sus pies. Por favor, que nadie se pierda la escena de los cerdos. Hizo las delicias de esta que aquí escribe.

Por fin pude comprobar que, efectivamente, los cerdos vuelan.

THE WRESTLER - 2008 -Ganadora del León de Venecia

Si ésta película  no hubiese tenido estos actores no creo que hubiese sobrevivido. “El Luchador” no es una película dinámica, no es rápida. Es una película dura, sin artificios, sin grandes decorados ni despliegues. Tan solo unos personajes que muestran con toda crudeza una vida miserable y perdida.

Marisa Tomei ya se  mostró como una gran  actriz en “En la habitación” y Mickey Rourke siempre lo ha sido, a pesar de haber protagonizado películas perfectamente olvidables.

Rourke es un actor extraño. Siempre en la cuerda floja, en el abismo. Quizás por eso encarna como nadie a personajes de perdedores. Si se dio a conocer con Nueve semanas y media, no fue precisamente esta la película por la que deberíamos recordarle.  Ha  protagonizado verdaderos bodrios y ha sido capaz de interpretar personajes impactantes como éste último.

Personalmente le recuerdo especialmente como Johnny Ángel en “El corazón del Ángel”, o como activista del Ira en “Réquiem por los que van a morir”, película muy recomendable.

En “El Luchador” Rourke interpreta como nadie a un hombre totalmente acabado. Un fracasado. Alguien que es consciente de que, a lo largo de su vida, ha ido concatenando decisiones erróneas  y que, dichas decisiones,  han quemado su vida.  Como bien dice su personaje, ha quedado una vela por los dos cabos, y se ha consumido muy deprisa.

Si en un momento determinado intenta reconducir su vida o recuperar parte de lo perdido, entiende que ya es tarde. No hay redención posible ni vuelta atrás. Los errores pasan factura y los finales felices para aquellos que se equivocan siempre son una utopía.

Si algo podemos sacar como conclusión final es que nuestros actos y nuestras decisiones dejan huella. Los errores se pagan siempre, sobre todo si esos errores han destruido a aquellos que nos rodean y que más esperaban de nosotros. Lo hecho, hecho está y, por mucho que queramos borrar actos del pasado, estos nos acompañarán siempre. No hay reparación posible. Lo destruído no se puede reconstruir. Cuando algo se rompe se queda roto para siempre.

Al final Rourke entiende que ya no tiene remedio. Todo está perdido. No le queda nada, excepto una vida consumida y desperdiciada, y una profesión donde sus compañeros son un reflejo de si mismo. Igual de acabados que él.  Viven en el fango y tan solo le queda rendirse. Eso si, salvando al menos lo poco de digno que le queda.

En 1995 Pixar hizo su puesta de largo con la historia de los juguetes de un niño que veían alterada su feliz existencia por la llegada de un nuevo juguete,moderno y prepotente,aunque un poco idiota. Quien más acusaba el cambio era por supuesto el juguete favorito hasta ese momento,Woody, y desde ese punto de partida nos encontramos ante un fenómeno de recaudación y la revolución en el cine de animación por ordenador.

La perfección y originalidad de la propuesta hizo temer que su segunda parte,que llegó a los cines en 1999, iba a pervertir su predecesora como suele ocurrir con las segundas partes.Pero no fue así, y Toy Story 2 es considerada a día de hoy una de las mejores segundas partes del cine.

Y llegamos a Toy Story 3 y,para mi sorpresa y la de muchos nos encontramos con la trilogía perfecta.

¿A quién le gusta que le desplacen?

En la primera entrega,Woody,lider de los juguetes, las pasaba de todos los colores para digerir la llegada de Buzz. Por una serie de acontecimientos que más o menos todos conocemos,al final se hacían amigos y compartían liderazgo tanto en la habitación como en el corazón de Andy,su pequeño propietario.

En esa entrega inicial, el temor a la pérdida del amor era el tema alrededor del cual orbitaban otros como la ruptura de arquetipos-el tiranosaurio cobarde y encantador-,la lucha generacional-mediante la confrontación del juguete clásico de cuerda con el nuevo y futurista juguete a pilas con lucecitas-o la simple nostalgia que evidentemente sentíamos los que vimos desfilar juguetes de nuestra infancia. Pero hay un tema que comparte protagonismo con el de base,ya no en el buque insignia,sinó en la saga: Toy Story es una forma divertida de aleccionar a nuestros pequeños sobre el valor de las cosas y el respeto que deben tenerles.

De los juguetes y el paso del tiempo

Hay niños que son muy cuidadosos con sus juguetes,tanto que cuando se hacen mayores los tienen casi nuevos o nuevos.Eso permite que la siguiente generación pueda disfrutar de los mismos juguetes y con el tiempo se convierten también en un valor,una inversión. Los coleccionistas de juguetes llegan a pagar precios muy elevados por una Barbie de los 60 o por un juguete de madera o metal muy anteriores a esa década. La mentalidad de los guionistas no deja de ser,en efecto, la del coleccionista,que sufre cuando ve un juguete valioso en mal estado y además de adquirirlo, intenta recuperar su esplendor de antaño. Así,cuando nuestros hijos se hacen mayores,y nos preguntamos ¿qué hago con estos juguetes?,la primera opción nos la ofrece Toy Story 2.

La elección a la que se enfrenta Woody en esta ocasión es ¿vitrina o habitación de Andy?

Los juguetes están hechos para jugar.Es este un mensaje presente en toda la trilogía,pero el paso del tiempo lo acusa todo dios,aunque en nuestro caso,cuando somos niños somos un valor en alza y cuando somos mayores somos prescindibles-por desgracia-. No así los juguetes,que cuanto más tiempo tienen,más valor se les da aunque en la película reflexionen como nosotros. En Toy Story 2,Andy da síntomas de cambio,cambio que parece condenar a Woody a la desaparición u olvido, pero felizmente concluye con la decisión de Woody de arriesgarse con Andy antes de asegurarse la supervivencia en una vitrina,y,tal y como lo presentan,una muerte en vida.La fidelidad de los juguetes llega de nuevo hasta el infinito y más allá.

La última frontera

Toy Story 3 nos presenta una realidad que no tiene marcha atrás: Andy se va a la universidad. Se va de su habitación, de su casa y de la vida de sus juguetes que ya han visto desaparecer a la mayoría de sus antiguos compañeros. La primera elección depende de una selección previa de Andy: desván, guardería o basura. Woody sigue siendo el favorito del ahora adolescente propietario,lo que deja a los demás en una bolsa de basura que interpretan,con una lógica aplastantemente humana, como la inevitable desaparición y por consiguiente los sume en una profunda tristeza.Pero de nuevo los acontecimientos,con malos entendidos,experiencias aterradoras en la guardería y accidentes de por medio,les legará la decisión final,decisión que Woody forzará con lástima por su parte pero con esperanza para todos.Un nuevo comienzo.Círculo cerrado.

El carácter pedagógico de Toy Story

Ya he introducido previamente el tema de la valoración y respeto de las posesiones por parte de los niños, y es en ese punto en el que menos se ha incidido en las críticas de Toy Story.En la primera entrega,un niño cruel maltrataba a los juguetes deformándolos,incendiándolos y “matándolos” sin piedad;en la segunda, un adulto avaricioso consciente del valor de nuestro protagonista, estará a punto de separar a Woody de Andy y su familia .Y en la tercera encontramos niños en la guardería que convierten la vida de los juguetes en un infierno en firme contraposición a la dulce pequeña que finalmente será la nueva esperanza de tan especial familia de plástico y trapo. Si enseñamos a nuestros hijos a valorar sus pertenencias, a jugar y no a romper,estaremos colaborando a que esos niños por un lado sienten las bases del respeto general a todo aquello que les rodea y por otro posean,o bien un legado para sus hijos o bien una buena colección de juguetes que,si no hay más remedio,siempre pueden vender a un coleccionista que no jugará con ellos, pero que los querrá con casi la misma pasión que nosotros cuando éramos niños.

La mayoría no conocen su nombre.Quienes hayan visto El Señor de los Anillos,lo recuerdan como Denethor,padre de Boromir y Faramir ( Sean Bean y David Wenham,de los que hablaremos en otra ocasión).No le había vuelto a ver desde El Retorno del Rey, pero buscando una nueva serie a la que engancharme,me alegré al encontrarlo en Fringe, el relevo- esta vez de verdad-de Expediente X. Cuando un actor se te queda grabado, siempre hay una escena en concreto que motivó ese registro.En mi caso, fue esta:

Qué decir…es en los cambios drásticos de registro en una misma escena cuando un actor me cautiva,cuando me convierto en fan. Pienso que esos cambios drásticos son lo más cercano a la vida real, cuando te encuentras en situaciones en las que en un segundo estás bien y al siguiente pasa algo que te desestabiliza.La reacción de ese momento, del momento del paso de uno a otro estado, te define desde lo más profundo. Si tu interlocutor es observador,sabrá sacar partido del momento.Lo aprovechará para encontrar tu debilidad o para comprender tu miedo,para ser tolerante o intransigente,para solventar dudas pretéritas y definir nuevas preguntas. Son momentos delicados que enriquecen al personaje,en los que cualquier matiz que el actor aporte puede enriquecer su personaje.Hasta esa escena Denethor me resultaba símplemente odioso en su demencia;gracias a esa interpretación, me inspiró la lástima que inspiran los condenados.

En Fringe de alguna manera repite personaje,pero no alcanza los niveles de odio que le exigía Denethor. Al contrario, tiene momentos brillantemente cómicos,en los que aporta el toque de humor que toda serie necesita, como necesario es en la vida real.Interpreta al Dr.Walter Bishop,un brillante científico loco con muchos secretos y dificultades para dormir y dejar dormir. Fringe lleva en antena dos años y la Fox acaba de renovarla por una tercera temporada. Noble ha sido nominado como mejor actor secundario en los Satellite Awards y el Saturn Award por ese papel en ambas temporadas. No hay duda que el australiano es un gran soporte para el elenco principal.No hay duda de que es un gran actor.

Hope-azul Murron-negro

No hay día que Hope y yo no mantengamos una conversación telefónica y, como de costumbre, discutimos, nos reímos, nos metemos la una con la otra, gritamos, despotricamos para al final,  acabar hablando del concepto o de cine. Y es ahí donde las dos coincidimos más y disfrutamos como enanas.

-¿Te acuerdas de esta peli?

-OiSSS, sí, ¡qué bonita! ¿y cuando él decía esto o aquello?

-¿Y te acuerdas de ésta  otra?

- Y taaaanntoo

Bueno, pues de una de esas conversaciones ha nacido este post-memorandum-recordatorio-rescataviejasglorias. Empezamos hablando de lo de siempre, que qué te gusta a tí, que qué me gusta a mi… Vale, a mi, o sea, Murron, me gusta sufrir. Así, como suena. Yo, cuanto peor lo paso y más lloro con una peli, más me divierto. Rarita que es una. Pero es cierto que también disfruto con las películas de risa, o sea, las comedias o como se llamen.

Toma el dinero y corre es una de mis favoritas. La escena de los padres con las gafas y el bigote tipo Groucho Marx me sobrepasa. Joder, es como ver un reality Show pero inteligente. ¿Lo pillais?

Pues a mi si hablamos de comedias-sí,el género es comedia, Murroncita- siempre recurro a Un cadaver a los postres. Seleccionar una escena favorita se me hace muy dificil, pero quizás ese inicio,con la aparición del mayordomo Benson Señora-James Señor, es de lo mejorcito que he visto en el género y Peter Sellers haciendo de chino dentón está de muerte.

Hope y yo, en esto estamos de acuerdo: adoramos a Peter Sellers, ese puto genio. Ya nadie recuerda a Peter Sellers. La leche, es que ya nadie sabe quien es Peter Sellers. Hope, no somos tan viejas, ¿verdad?

Sí lo somos, petarda, al menos de coco. ¿Cuántas veces hemos dicho que con quince años tú y yo ya éramos viejas? Joder, si entonces veíamos películas de los 40 y los 50 y nos tachaban de raritas…

Yo me quedo con El Guateque. Que si, que es en blanco y negro, pero no hay que tenerle miedo al blanco y negro. Os lo aseguro, no es el coco ni os va a comer. Buenísima, de verdad, La leche. Que jartá a reir con el elefante, ¡por dios!

Ah,no , yo  me quedo con la escena del camarero borracho,con lo que pasa detrás de Peter Sellers.

-Coño¡¡ pero esta peli no era en blanco y negro?? Eso es que, cuando la vi, aun no tenía la tele en color.  ¿Y cuando hace de Inspector Clouseau? Yo me descojono viva cuando el chino le quiere sorprender y la emprende a hostias. Es que es superior a mi, me parto.

¿Y si vamos más atrás? Harold Lloyd, por ejemplo, o Buster Keaton en El Maquinista de la General, su mejor película con diferencia.

Pues yo me quedo con Harold Lloyd, pero puestos a elegir prefiero al Gordo y el Flaco. Hicieron las delicias de mi infancia.

Laurel &Hardy,cateta, más que cateta…

O también podemos ir hacia adelante, y hacerle justicia a películas como Escándalo en el Plató-Soapdish- o el genial Stallone cómico en Óscar, porque Sly es un excelente actor cómico,digas lo que digas. De Escándalo en el plató me quedo con el clip que os pongo a continuación, porque lloro sin parar, acabo con dolor de estómago y ,qué coño, yo haría lo mismo.Están ensayando una escena del culebrón, Sally Field se acaba de reencontrar con el que fue su gran amor de juventud, KevinKline, y el muy capullo se aprovecha de la situación hasta que…

Y de Oscar, con esta, con el impagable Kirk Douglas:

Pero claro, hablando de cine, nos enrollamos como persianas y saltamos de un género a otro.En este caso empezamos hablando de Peter Sellers y la conversación llegó al tema del concepto-como cada día- y acabó con las dos recordando una película como La invasión de los Ultracuerpos.¿Por qué?¿Cómo? Pues porque nuestras conversaciones empiezan por la política, de la política sacamos imágenes que nos recuerdan a películas y en esa ocasión acabamos comparando ciertas actitudes con las de las vainas sustitutas de los ultracuerpos. Y Murron y yo parecemos el tipo aquél del film, gritando en medio de la autopista que ya están aquí, que hay que huir y sálvese el que pueda,jajajajaja.Cómo son las cosas…

Ya, y porque, como siempre, acabamos por los cerros de úbeda y yo empecé a decir que hay personas que siguen teníendo el mismo aspecto pero luego su interior es distinto. Vamos, que hay veces que miras a una persona que conoces desde hace toda una vida y te das  cuenta de que algo no concuerda. Que es su cuerpo pero todo es distinto. Y fue entonces cuando tu dijiste aquello de :  ¿pero tú de qué vaina has salido?? Jajajajaja. Y si alguien no ha visto este clásico que lo vea, porque si no no va a entender el chiste.

Y de aquí saltamos a la Increible historia del hombre menguante. ¡Que gran película!,porque no deja de ser una metáfora por cuantas veces nos hemos visto menguar.¿O no?

En mi caso, cada vez me cuesta más encontrar a alguien a quien mirar desde abajo,jajajajaja, que soy muy chula!

Hasta la próxima locura, estimadísimos lectores!

Nolan es para mi el representante del nuevo gótico cinematográfico.No deja de sorprenderme. Diez años de trabajo nos llegan resumidos en dos horas y media de lucidez creativa y complejidad narrativa. La sinopsis  para mi es facil de resumir : Cobb (diCaprio) es un ladrón de ideas especializado en  el robo de secretos industriales que se infiltra en los sueños ajenos creando diferentes niveles oníricos. Un cliente le persuadirá de ir más allá implantando una idea en vez de robarla con la promesa de recuperar su vida familiar, truncada por un error del pasado cuyas consecuencias están arruinando su vida.

Tras un inicio confuso, Nolan nos sumerge en un ambiente en el que la vida onírica y la realidad se mezclan y  confunden, aunque el autor y director se haya esforzado en simplificar la compleja trama de su historia. Todo en la película es excelente, desde la historia hasta el montaje;no obstante, no sé si debido al doblaje, hay ciertos conceptos que no acaban de quedar claros ( me queda pendiente verla en VO) y que plantean serias dudas sobre uno de los ejes alrededor del cual gira la historia, pero al margen de esa apreciación personal en la que no voy a entrar para no chafaros el visionado, la película es sin duda una gran obra (otra) del genial director.

De todas formas, y sin restar el mérito atribuido  por su originalidad, debo remarcar que no es la primera vez que Nolan se acerca a este tema ni es la primera película que lo aborda con inteligencia. Dark City, película infravalorada en su momento por la siempre sabihonda crítica, giraba entorno al mismo tema, el onírico, pero sin robos, y lo hizo con gran acierto tanto argumental como estético. Siempre he pensado que los genios de Matrix deben ser amiguetes de Alex Proyas, pues me llamó mucho la atención la diferencia escasa de un año entre Dark City y Matrix. Digo esto porque es inevitable relacionar Matrix con Origen en algunos aspectos, por lo que de la misma manera Dark City acude a la memoria.

Sin ofrecer más detalles, es innegable que Origen en un film de visionado obligatorio para aquellos a quienes les guste pensar al tiempo que disfrutan de su momento de ocio. Lo es también para todo cinéfilo que se precie y para los que descubrieron al director con El Caballero Oscuro.

Y si con Nolan tenemos inteligencia y estética excelentes, con Shyamalan nos queremos despertar de la pesadilla que representan sus últimos trabajos. The Last Airbender es el colmo de las cagadas Shyamalianas. Recuerdo cuando escribí mi opinión sobre El Incidente. No se me ocurrían más denostaciones para el otrora genial creativo, y eso que puse mucho empeño. Pues en esta ocasión, y aún con ponerle mucho entusiasmo al visionado, me quedé sin habla.He necesitado un par de días para decidir qué expresar. Shyamalan está perdido.Ahora ya no hay duda. Si en El Incidente acabamos hasta los mismísimos de gilipolleces, en esta , al menos yo, creí estar ante una producción del canal infantil de Nickelodeon. La trama no es culpa del director, pero la adaptación,las interpretaciones, el ritmo y el fallido montaje sí son responsabilidad suya.Y es que parece que Shyamalan ha querido dar un giro de 180º concentrándose en el  cine comercial y lo que ha hecho es provocar otro Incidente en el que no te importa ni lo que ocurre ni a quien le ocurre.¿Dónde han quedado su creatividad y valentía narrativas? Lo peor fue el final, con ese esperanzado aunque mudo continuará.Por Dios, que no lo haga.

Llegada esta época estival en la que muchos se han marchado de vacaciones a disfrutar de un merecido descanso, en algunos casos, otros a discutir con la familia, los más, algunos nos quedamos en casa esperando unas vacaciones que no parecen llegar nunca.

Lejos de desesperarnos, tendremos que ver el lado positivo. Nos quedamos siendo los reyes de nuestra casa. El mando a distancia nos pertenece. El sillón también y la televisión y el dvd son enteramente de nuestra propiedad. Es una oportunidad de oro para ir al cine a ver los estrenos o disfrutar en nuestro salón, en soledad, de esas pequeñas joyas cinematográficas que hace siglos no vemos. Clásicos que siempre merecen la pena ser vistos de nuevo, en soledad, disfrutando en silencio de cada escena, cada banda sonora, cada silencio.

Un momento único para reirnos con alguna comedia o para llorar sin reparo ninguno, a moco tendido, con uno de esos dramas inolvidables.

Comparto con todos los que paseis por aquí una selección de películas que podríais disfrutar en estos días en los que os habeis quedado solitos en casa. Espero las disfruteis tanto como yo.

¡¡Feliz verano¡¡¡

LOS PUENTES DE MADISON

Probablemente la hemos visto todos pero nunca son demasiadas veces para disfrutar de una historia de amor tan impresionante. Si tuviese que definirla diría que es la historia de amor más elegante y profunda que he visto nunca. Y siempre necesito un rollo de papel higiénico para sonarme la nariz y secarme las lágrimas. Clint Eastwood me supera en esta obra maestra del cine.

EL JARDIN DE LA ALEGRÍA

Una comedia deliciosa. Humor inglés con una Brenda Blethyn  increible. Simplemente para pasar un buen rato, reirse mucho y que te quede un buen sabor de boca. Esta permitido fumar marihuana durante el visionado de la misma.

PROPIEDAD CONDENADA

Todo un clásico de mi niñez. Una de esas películas que, cuando las ves por primera vez, no las olvidas nunca. Todo el mundo debería verla . Natlaie Wood y Robert Redford en un clásico inolvidable. La canción se me ha quedado grabada …. Wish me a rainbow and yellow ballons….

TOMA EL DINERO Y CORRE

Para el final me dejo una de las películas de Woody Allen más brillantes y más desternillantes. Creo que no me he reído tanto en mi vida. Totalmente surrealsita la vida de Virgil. Una joya que todos deberíamos ver cada vez que estamos de mal humor o bajos de moral.

Esto es todo por hoy. Nada serio, nada profundo. Algo ligero para pasar este verano tan caluroso. Espero os guste la selección

Antes de las dos horas y pico de Eclipse, pude ver el trailer-el tercero- de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Tras la -aparente-disparidad de opiniones con mi buen amigo Juan Luis Sanchez sobre la recauda-euros del verano, decidí aventurarme a elucubrar sobre lo que la última entrega de la saga Potteriana nos va a ofrecer.

La información visual con la que contamos son los tres trailers que han circulado hasta el momento.Veamos qué sacar de ellos:

Típico trailer para abrir boca que sólo sirve para cargar las pilas de los fans.

Éste último es el que más nos importa. Lo primero destacable es que  , una vez más el trailer promete, como lo hicieron las dos pasadas entregas, ambas dirigidas por David Yates y que finalmente ofrecieron una visión incompleta y desvirtuada de la historia original. Se obviaron subtramas, personajes secundarios que no por secundarios son prescindibles, y se cerraron con conclusiones precipitadas y cojas. Personalmente, me recuerdan a películas de antaño en las que el planteamiento y el desenlace eran mínimos y el nudo era eterno.Todo acababa muy rápido, pero entonces el acabado no dejaba la sensación de que el director tenía prisa;era simplemente parte de la factura del momento. En el caso que nos ocupa, en las novelas sí hay un planteamiento breve, aunque no tanto como en las versiones fílmicas, pero los desenlaces no lo son tanto, aportando información que sirve siempre para el planteamiento del siguiente libro.En definitiva, son libros bien paridos.

En esta ocasión, ya en el trailer podemos apreciar -insisto, quienes nos hayamos leído el libro- un par de cambios respecto al original que, si bien no tienen por qué condenar el producto final, sí molestan , al menos a puntillosos con las adaptaciones como una servidora.

En esta imagen (del segundo trailer), Harry suelta a Hedwig, su lechuza, en el patio de la casa de sus tíos. En la novela, Hedwig está en la jaula desde el principio porque esa noche Harry espera a todo un séquito de sus amigos para ser escoltado con seguridad a casa de Ron.Hedwig morirá en el ataque de los mortífagos convirtiéndose en la primera víctima de la nueva entrega.

Momento del enfrentamiento final entre Voldemort y Harry;en la novela, tiene lugar dentro de Hogwarts,DENTRO, más concretamente en la zona de las escaleras, donde paralelamente se da otro más, el de Beatrix Lestrange con mamá Wesley. Parece ser que han decidido situarlo en el patio de Hogwarts. El problema ya no es la localización;el problema es que en la novela, esta lucha tan esperada, es observada por todos los presentes del momento que son, eso, TODOS:el colegio en pleno, los profesores,mortífagos, centauros, duendes domésticos y toda la platea. ¿Decisión creativo-comercial para darle más relevancia al esperado momento? Casi seguro.¿Ahorrando voy? Posiblemente. ¿Problemas de movilidad de cámaras? Quizás.La cuestión es que me molestó sobremanera.

GENERALIDADES

Sí, sé que sólo son dos, pero tampoco hay mucho más. Lo que sí parece que será fiel es la escena de La Sala que Viene y Va, con espectacular incendio incluído y las escenas de discusiones entre Harry y su amigo Ron. Pero lo que se desprende del trailer es algo que yo ya sospechaba;los trailers ofrecen un 85% de imágenes de la segunda parte, la que se estrenará de aquí a un año, y un 15% de la primera, la de noviembre de este año. Eso es debido a que en la primera parte no hay apenas acción.No esperéis un ritmo trepidante.

La segunda parte es de hecho la más esperada, ya no sólo por suponer la conclusión de la historia, sinó porque en ella se da una batalla épica en los alrededores de Hogwarts  así como en el castillo que , bien orquestada, podría ser sensacional.Claro que visto lo visto hasta el momento, no parece que la acción sea el fuerte de Yates. Ojalá me equivoque.

HARRY POTTER 3D

Se está anunciando como tal y me gustaría que no nos lleváramos a engaño. Desde que Avatar revolucionara hace unos meses el panorama tecnológico cinematográfico, se nos venden varias películas como realizadas en 3D. Ya se guardan bien de no incluir la palabra realizada, pero las venden como tal.

Lo que llegará aquí no es una película RODADA en 3d, como sí lo es AVATAR.Lo que llegará aqui es una película rodada en 2D y pasada en post-po a 3D.Por muy bien que se haga-y hasta el momento ya ha habido unos cuantos pífios- no es lo mismo.

ALEXANDRE DESPLAT Y JOHN WILLIAMS

Dicen por ahí que John Williams podría regresar para cerrar musicalmente la saga, esto es, para la segunda parte del final. Ojalá. De momento, lo que sí sabemos es que Alexandre Desplat ( El Velo Pintado,Benjamin Button,La Brújula de Oro…) está desde hace unos días inmerso en la creación de la original score de la primera parte;según declaraciones en el pasado Festival de Cannes, Desplat tiene previsto utilizar mucho más que Hooper los temas creados por Williams, en concreto el tema de Hedwig. A ver si es verdad y nos regala otra pequeña joya, como ya hiciera con The Painted Veil.

Os dejo un fragmento de la Suite de John Williams, que abre con el tema de Hedwig.

Bien es sabido por nuestros lectores lo que opino de la Saga Crepúsculo, pero estoy obligada a pronunciarme cada vez que una nueva entrega ve la luz. Y es que en esta ocasión, nos encontramos ante la mejor de las entregas hasta ahora;claro que no era muy dificil superar las anteriores, pero ya se sabe que si algo se puede hacer mal una vez, se puede hacer mal siempre, por lo que es de alabar que en esta ocasión al menos el blockbuster adolescente tenga cara y ojos.

Ahora bien,aprobado no es lo mismo que notable.

LO MEJOR DE ECLIPSE

-Sin duda alguna, la banda sonora, que si bien le queda grande en ocasiones( y es que Howard Shore es muy grande), le da un toque de seriedad a la producción. Shore ha sabido ver el papel cada vez más destacado del personaje de Jacob  impulsándolo a través del leitmotiv que utiliza para abrir la mayoría de las piezas de la ost, que no es otro que el tema del personaje.

11. Jacob Black

-La siempre agradecida interpretación de Billy Burke como el padre de Bella y Taylor Lautner como Jacob, ese pedazo de hombre lobo que, aparte de lucir palmito -atención a la broma de Edward preguntándose si es que el chiquillo no tiene camisetas- brilla con su personaje eclipsando descaradamente al sufrido Robert Pattinson y a la insulsa Kristen Steward cuando comparten plano.

-Los lobos, expresivos,enormes,dulces e intensos,las auténticas beldades de la película.

-Las dos secuencias de acción,más concretamente la segunda, con la batalla entre la temeraria asociación puntual de la manada con los Cullen contra los Neófitos de Victoria; un par de planos interesantes aderezados con un montaje potable.

-La mayor presencia del elegante Jasper -Jackson Rathbone-, un tío que goza de la ventaja de parecer mucho más joven de lo que es y que actúa consciente de ser un extra mal aprovechado.

-La mejor escena: Edward y Jacob hablando en la tienda de campaña mientras Bella duerme. Una escena en la que paralelamente al desarrollo del diálogo, existe una clara pugna entre los actores por ver quién resulta más convincente.

-La química descarada entre Jasper y Alice, que eclipsa-y de verdad- a la inexistente química entre Edward y Bella.

LO PEOR

-Robert Pattinson y Kristen Steward, la peor actriz del elenco con diferencia. El amigo Edward resulta de lo más cursi y memo y Bella no convence ni convencerá jamás de nada que no sea su perpétuo estado de letargo. Al menos en el libro dudas de con quién te quedarías de ser ella,aquí es impensable que se quede con el tío como dios manda en vez de con el tontolhaba. Y ese es el problema; el personaje de Bella en el libro está dotado de un fino sarcasmo que te dibuja más de una sonrisa y una fortaleza manifiesta y una astucia que , no sé porqué, en las películas no aparecen por ninguna parte. Han convertido a un personaje fuerte en el típico arquetipo de dama en peligro sufridora y sufrida del siglo pasado. En cuanto a Edward, tampoco entiendo como un personaje supuestamente frio y elegante pierde los papeles por los celos en el metraje ,aún cuando en la novela mantiene el tipo con sutiles cambios de humor que apenas se perciben si no es a través de pequeños actos de aquiestoyyo. En definitiva, Pattinson sobreactúa terriblemente en algunos momentos mientras en otros mantiene su insipidez original.Estas carencias se ponen más de manifiesto cuando comparten plano con Lautner, quien parece ser el único de los tres que se toma en serio interpretar.

-Bryce Dallas Howard, la sustituta de Rachelle Lefevre como Victoria no convence, por lo que se convierte en una decepción no anunciada.

-Que el holgado presupuesto no haya servido para vestir un poco más el conjunto.

CONCLUSIÓN

No.Hoy no pongo videos, y no los pongo porque como era de esperar, los únicos videos colgados hasta el momento son el beso entre Jacob y Bella- eso sí es un beso- y los momentos ñoños entre Bella y Edward, además del de la camiseta antes mentado.

El conjunto entretiene, aunque no eran necesarias 2 horas y pico largas de metraje que en muchos momentos hace que te remuevas inquieto en el asiento con las escenas más estáticas ( o eso o mi estado hace que esos momentos me parezcan más largos). Batirá récords de taquilla, pero sigo prefiriendo el libro con diferencia, que , por cierto, es también el mejor de los existentes ( sin llegar a la suela de los zapatos de los libros de Rowling). Por mi opinión del desenlace de la saga, es improvable que acuda al cine a ver la siguiente entrega que , ya no promete, sinó que asegura aburrimiento por un tubo.Eso sí, la banda sonora de Shore será muy amortizada en mi casa.

Una, que no tiene puñetero tiempo, va con un retraso de la leche en el cine; aparte, la cartelera no grita en mi dirección por lo que casi todos los estrenos me pasan desapercibidos. Todo y así, piratilla que es una, le eché un vistazo a divxonline.info y con mi bajada de moral decidí aislarme del mundo unas horas.Esto es lo que vi.

La Legión

Lo más sorprendente no ha sido la película que, más allá de distraerme y hacer que el tiempo pasara rápido,no es ningún huevo kinder. Lo más sorprendente ha sido lo que he leído buscando opiniones sobre ella, por no hablar de lo que aquellos que la han visto créen que es la sinopsis. Es curioso, ya no es que la gente no lea, es que tampoco escucha ,ni casi ve un pimiento. Mira que se dice de veces en la película que los atacantes no son demonios,¿eh? Pues nada, la peña erre que erre. En cuanto a las opiniones ajenas, las más destacadas vienen de creyentes férreos que mantiene que Dios nunca atacaría al hombre…vamos, que no se han leído su propia Biblia.

Sinopsis

Dios se ha cansado de la especie humana y su carencia de fe, por lo que ha decidido echar el cierre, pero como la última vez con el diluvio el tema fue lento de cojones, en esta ocasión ha decidido que sea su ejército,los ángeles y arcángeles, quienes ejecuten la orden a tiro limpio. Pero hay UNO, el Arcángel Miguel ( que no podía ser otro que Paul Bettany,por Dios….) que se niega a acatar sus órdenes.Declarado en rebeldía, descenderá a la Tierra para proteger al hijo nonato de una camarera de carretera , que por lo visto, es la única esperanza de la humanidad…(suele pasar)

Valoración

De 0 a 10, un 7.

Distraída,concebida sin pretensiones y con resultado final aceptable. No aburre en ningún momento y aporta un par de sorpresillas light que, al menos, te hacen botar en el asiento. Paul Bettany es mucho Paul y a mi los tios con alas me ponen. Recomendada para los que necesiten desconectar urgentemente, para  incondicionales de Bettany, para aburridos de la programación televisiva y para aquellos que sepan tomarse las películas críticas con la religión como películas, no como infamias.

Brothers

Sinopsis

Tobey Maguire,Jake Gillenhall y Natalie Portman protagonizan este drama de Jim Sheridan  ( En el nombre del padre). El hermano perfecto (Maguire) , marine de los EEUU sale en su cuarta misión en Afganistan, misión en la que desaparece, dándole el ejército por muerto. Ante la desgracia, el hermano díscolo y descarriado, asume el papel de cuidar de su cuñada (Portman) y sus sobrinas, rehaciendo su vida en el proceso. Mientras intentan superar la pérdida, algo parece nacer entre ambos, algo que no llega a materializarse, pero que será objeto de obsesión al regreso de Maguire, que habiendo sido prisionero de los talibanes y obligado a cometer una atrocidad por sobrevivir, ha cambiado hasta el punto de convertirse en una amenaza para los suyos.

Valoración

De 0 a 10, un 6,5

Esperaba mucho más del film de Sheridan. Pretende ser una crítica política al tiempo que un análisis social pero se queda en un tibio punto medio. De todas formas, no ayuda la siempre alucinada expresión de Maguire, un actor con cara de chiste dificil de tomar en serio. No decepcionan en cambio Gillenhall, que en todo momento se halla en su salsa, encarnando a un personaje martirizado por un error del  pasado y una infancia nunca superados y Portman, que interpreta acertadamente la actitud de una mujer enamorada y confusa ante una inesperada viudedad.

Recomendada para amantes de Sheridan y los actores principales, para detractores de Afganistán y para amantes de los dramas light.

Furia de Titanes

Sinopsis

Remake del film ( clásico obligatorio en cualquier filmoteca) de Desmond Davis de 1981. Nueva versión de hecho, pues al margen de partir del mismo mito, el de Perseo, en esta ocasión se ha adaptado libérrimamente, siendo la primera versión la más cercana al mito original. En esta ocasión, Perseo ,semidios hijo de Zeus, se mete en una misión de salvamento de la ciudad de Argos, que ha tenido la desfachatez de dejar de adorar a los dioses. Durante la ofrenta de la ciudad, ha fallecido la que él consideraba su familia y con la excusa de salvar a Andrómeda de las fauces del Craquen,pretende eliminar a Hades, responsable del desatino.

RECTIFICACIÓN:No sé dónde tengo la cabeza;escribí Craquen, por favor!!! Es KraKen.

Valoración

De 0 a 10, un 6.

La rabia que me da que se alteren los mitos…pero bueno, el cine es así. La versión de Louis Leterrier ( Transporter, El Increíble Hulk) tiene las cualidades del cine de acción que mostró en Transporter y las demencias de adaptación que vimos en su versión de Hulk, pero en conjunto ofrece un film distraído, bien realizado técnicamente ( aunque no mate) y…distraído. Me esperaba un churro, así que aún gracias. Recomendada para amantes del fantástico ( sin fidelidad al original) y padres que quieran despertar el interés de sus hijos por la mitología, aunque en este último caso, recomiendo que primero les pongan la versión del 81.

Apunte personal: Cuando me enteré de su existencia, pensé era un error remakear el clásico.Aunque me lo he pasado bien, sigo pensando lo mismo y encima no sale el buhito de oro de Atenea ( los que habéis visto la primera me entenderéis).No la veáis en 3D, pues no se rodó en ese formato, aplicándose en la postpo, y el resultado es patético.

HOUSE: CONCLUSIÓN BRILLANTE DE LA SEXTA TEMPORADA

En la Vanguardia de ayer, encontré una estupenda crítica de Fernando de Felipe sobre el esperadísimo último episodio de House. Y me quedé encantada de que alguien se pronunciara sobre otra serie que no sea Lost.

Help Me ( Ayúdeme) es el título del episodio 22 y último de la Sexta temporada del médico más irreverente y cabroncete de la historia de la TV. Y no ha sido un episodio cualquiera,ha sido una joya en la que encontramos a una Cuddy más desafiante que nunca, a la par que cándida y un House derrotado por completo ante la pérdida inminente de un amor que nunca había estado tan claro. Un episodio que en 45 minutos nos hace una radiografía emocional de la soledad, el amor y el miedo con tal acierto, que es imposible no derramar más de una lágrima.Una gran lección de narrativa audiovisual, y de técnica , pues fue rodado con una cámara reflex digital (CANON EOS 5D Mark II. Qué gran lección de buen cine.Sí,sí, he dicho BUEN CINE.

A continuación podeis ver dos videos en los que se ha hecho una selección de las escenas en las que salen House y Cuddy, en VO con subtítulos.

Siempre mantuvo que James Dean fue el mejor actor con el que trabajó. Y no sólo eso, su amistad con Dean y su admiración por él guiaron su carrera y su forma de pensar metiéndole en un montón de lios.Fue un actor nada convencional, un director atrevido y navegó plácidamente por las aguas de la fotografía y la pintura, mientras reunía una de las mayores colecciones de arte de EEUU.Fue Dean el que le sugirió que se metiera en fotografía y cuando en los 80 publicó un libro recopilatorio de sus obras, no olvidó la nota de agradecimiento al consejo de su amigo.

Republicano declarado, votó a Obama en las últimas elecciones “rogando a Dios que saliera victorioso”. Divorciado cuatro veces,la quinta no llegó a darse por su degradada salud a causa del cáncer, aunque no fue por falta de ganas.

A este Niño Malo de Hollywood,le vi por primera vez en Rebelde sin Causa( Boon). La mayoría de sus roles cinematográficos fueron siempre encarnando a personajes más malos que la tiña, retorcidos, excéntricos y lunáticos. Un actor de lujo que convirtió al periodista de Apocalypse Now en una de las más importantes referencias de esa obra maestra, y a Frank Booth de Blue Velvet en uno de los personajes mejor valorados en el ránking de los 100 mejores personajes de la historia. Persiguió a Lynch para conseguir aquél papel: David, debes darme el papel de Frank porque YO SOY FRANK.

Manifestó, una vez recuperado, hasta qué punto fue un alcohólico consumado;decía que cuando le preguntaban acerca de su consumo de pastillas, él respondía que consumía las necesarias para poder seguir bebiendo.

Icono del cine con 115 películas a sus espaldas y más de 140 trabajos televisivos,su película Easy Rider,una reflexión sobre la alienación juvenil en los años sesenta, le valió el premio al mejor director en Cannes y la nominación al mejor guión en los Oscars. Su excelente papel de padre borracho en Hoossiers le reportó la candidatura al mejor actor de reparto. No olvidemos los controvertidos film que dirigió en 1988,Colors, y Labios Ardientes,1990.

Representante icónico de la era del sex,drugs&rock, Hopper creó a su alrededor un halo de misterio siempre reforzado por su mirada penetrante y su nula diplomacia verbal. Como él mismo decía,hacía lo que quería,así que no tuvo una mala vida.

FOTOGRAFÍA

PINTURA

6 temporadas.5 años.Miles de personas elaborando teorías, improvisados internautas guionistas que se han devanado los sesos buscando respuestas que ni los profesionales tenían..y se veía venir. Ahora mismo en Cuatro se están preguntando por qué se han dejado tantas respuestas en el tintero y por qué ha tenido que ser tan decepcionante.Por que esa es la palabra más repetida junto con una expresión recurrente:no he entendido nada. A mi no me ha decepcionado porque era el final lógico y previsible.Me explico.

Cuando se abren tantas subtramas, tantas, tienes dos opciones:

1/Creas una temporada entera a merced de cerrarlas.Eso puede satisfacer a muchos fans, pero al tiempo crea una sensación de normalidad, de estandarización, por lo que el mito creado entorno al fenómeno Lost dejaría de ser un mito y se convertiría en una serie más.

2/Símplemente haces lo que han hecho los productores de Lost.Una premisa del género es , precisamente, que si estás más perdido que un burro en un desierto-o un oso polar en una isla tropical-, lo mejor es dar a entender que es un misterio tan grande, que nadie puede desvelarlo.Que ahí está la gracia, que no siempre hay explicaciones racionales para todo, como en la vida real.Eso mantiene el misterio y acrecenta el fenómeno.

Hablan del fuerte componente religioso presente a lo largo de toda la serie;yo no estoy de acuerdo.Mas bien se trata de simbolismo, no religión como tal. La mitología creada para la serie , en algunos casos, no está hecha a medida.Deberíamos darnos cuenta que los fans han creado también parte de esa mitología, o ¿acaso creéis que los guionistas y productores de la serie no leen los foros? Un detalle al respecto.En la iglesia, al final del último capítulo, hay una vidriera detrás de Jack.Observad los símbolos…están reflejadas todas las religiones a través de los iconos gráficos que las representan, lo que convierte a la iglesia en una construcción a medida de los personajes,un refugio final,un simbolismo más que representa el regreso a casa, al origen espiritual del ser humano.

La sexta temporada ha sido mediocre.No la he visto en su totalidad porque cuando me perdía-algo constante. por cierto-me cabreaba la falta de dirección de la trama que me reafirmaba en el final previsible que hemos visto.

En cuanto al último capítulo, reconozco que ha sido bello.Ha tenido momentos sensibles, emocionantes y tiernos a granel, muy bonito a nivel estético y espiritual. Pero nada más. De todas formas, es más de lo que podemos decir de la mayoría de las series en antena, sean americanas o de cualquier otro país.

Enlazando con el post de mi buen amigo Juan Luis, en mi caso ha sido como ir a tomar un café con un ex-novio al que no veía hace mucho pero por el que siempre quedará ese poso de cariño,de recuerdos compartidos pero por el que ,a día de hoy , ya no siento nada.

Son memorables, personajes secundarios o incluso de reparto que nos dejan huella por hacernos reir, por su desparpajo, por su encanto. Hacen de ancla en nuestras memorias, nos ayudan a no olvidar películas que, en algunos casos, se salvan por su presencia y en otros ,aún siendo buenas o grandes películas, nos acordamos antes de ellos que de los protagonistas. ¿Por qué? Por una conjunción de profesionalidad,carisma y personaje bien creado.

Son muchos, pero empezaré por una selección de los que acuden a mi mente sin necesidad de esfuerzo.

Stephen, de Braveheart

El loco irlandés, su isla y sus conversaciones con Dios eran el único contrapunto y respiro en un drama antológico. Impagable momento aquél en el que le notifica a William que lo tiene jodido para salir vivo.

Gus Avrakotos, La Guerra privada de Charlie Wilson

No he podido encontrar la que , para mi, es la mejor escena del personaje en el film- una que tiene a una botella de whisky como protagonista-, pero en ésta , el cínico y quemado  Gus también se luce y es que Phillip Seymour Hoffman acierta siempre.

Mr.Palmer, Sentido y Sensibilidad

Ya entonces nos encandiló Hugh Laurie; con una presencia limitadísima en la historia, Laurie convirtió un personaje  de reparto en un clásico del cine. Su desdén y su sarcasmo encontrarían más tarde la horma de su zapato con House.

Sheriff de Nottingham, Robin Hood

Alan Rickman hizo con el Sheriff de Nottingham lo que Johnny Deep haría en el futuro con Jack Sparrow. Y fue tal la calidad del resultado que siempre que recuerdo Robin Hood es gracias a escenas como las del video. El histérico,paranóico y exagerado Sheriff daba en verdad la nota en la película arrancándonos más de una sonrisa.

McKnight, Black Hawk Derribado

El Coronel que no se inmuta mientras las balas vuelan sobre su cabeza. Su actitud de tanto-me-da-como-me-da-tanto convierte a McKnight en un personaje irresistible.Nada de extrañar en el siempre carismático Tom Sizemore.

Alguacil Dogberry, Mucho Ruido y Pocas Nueces

Otro personaje dentro del grupo de los de reparto que también roba el protagonismo cuando aparece. El alguacil guarro y chalao de Mucho Ruido, personificación muy propia del estilo de Michael Keaton. Y es que Dogberry es un asno.

En televisión  también encontramos personajes menores de gran encanto. Uno es indiscutiblemente, Rodney McKay, de Stargate Atlantis. El genial científico que hace gala de su mal carácter y prepotencia a todas horas, nos sorprendió en la última temporada en un episodio, The Shrine, en el que le invadía un parásito que le provocaba una enfermedad parecida al alzheimer que suavizaba su carácter.La degradación física y mental que sufría McKay fue genialmente interpretada por David Hewlett.

Y en el Stargate original, Jack O’Neill nos ofrecía a menudo momentos de humor, pero nunca al nivel de un episodio como  Funny Things, en el que Teal’c y él entraban en la dinámica del Día de la Marmota, cosa que O’Neill-Richard Dean Anderson- aprovechó para hacer lo que le dió la gana, provocando las carcajadas de los fans de la serie.

Nuestro buen amigo, Juan Luis Sanchez de Artículos de Coña, ha escrito un post sobre la perdición televisiva de muchos y estoy tan jodidamente de acuerdo con él, que se lo he robado.Un abrazo, Juan Luis.

por Juan Luis Sanchez

Perdidos ha “perdido” el norte desde hace ya tiempo. Es cierto que es más adictivo que la heroína y el encaje de bolillos, y que no soy el único que se pincha en vena los episodios, pero las singladuras del doctor Jack Shephard, Hurley, Sawyer, Kate y los demás, hace tiempo que dejaron de hacerme vibrar. Sigo la serie simplemente esperando que acabe ya de una vez. A ver si los guionistas dejan de estirar el chicle y aclaran un poco la cosa. Mucho me temo que el final va a ser el timo del siglo, pero ya veremos.

En el último episodio que he visto (atención, incluyo algo de spoiler, aunque sin concretar mucho la cosa) había explosiones, muertes de personajes que llevo siguiendo desde hace seis años con mucho cariño, y giros de la trama supuestamente sorprendentes). Pues bien, nada de eso me conmovió ni lo más mínimo. Vamos, que me traía “al pairo” lo que estaba viendo.

Es triste, es como una relación con una ex novia. ¡Con lo felices que hemos sido juntos y ahora resulta que la pasión ha desaparecido! Nadie te ha querido como yo, hemos pasado noches de absoluta intimidad inolvidables, pero en este momento, sólo quiero que recojas tus cosas y te vayas…

Pues bien, se acerca el inevitable desenlace. Emitido ya en Estados Unidos el capítulo 13, quedan exactamente otros 3. El último se verá el domingo, 23 de mayo, y en España Cuatro ha anunciado que lo emitirá a la vez en versión original, claro que las promesas de ésta cadena con respecto a la serie son como las de un amante un poco canalla.

La gran noticia es que los productores Carlton Cuse y Damon Lindeloff aseguran que tienen mucho que contar, para resolver todas nuestras dudas (¡jajajajajaja,, eso habrá que verlo, en fin!), por lo que pidieron a la cadena ABC que les permitieran que el último capítulo durase media hora más. Como ya estaba previsto que fuera de dos horas, finalmente se queda en dos horas y media con publicidad (sin anuncios calculo que podría durar unos 112 minutos).

Finalizada la post-producción del último capítulo, que se llamará “The End”, como la canción de The Doors, Cuse y Lindeloff colgaron en Twitter el mensaje: “Está hecho, amén”. Y siguiendo con la metáfora religiosa sólo me queda añadir: ¡Que Dios nos coja confesados!

En fin, una sugerencia. Si no sabéis como acabar la serie, por lo menos haced un final musical.

Michael Jackson nunca será superado por nadie. Lo he dicho por activa y por pasiva desde bien jovencita, pero tras visionar This is it, me reafirmo.

No suelo ver conciertos en dvd, prefiero vivirlos.En este caso era imposible y francamente, echaba de menos a uno de mis ídolos de siempre. Michael estaba estupendo mientras ensayaba. Si se le observa con detalle, se pueden descubrir algunos rasgos de su personalidad.Ya sabemos que era un excéntrico,  los genios suelen serlo. En cambio me sobrecogió el amor que desprendía hacia cualquier aspecto del espectáculo que estaba preparando. El inicio de This is it ya me llegó al corazón al aparecer una selección de emocionados bailarines poco después de haber sido elegidos para acompañarle; lógicamente, todos comentaban, con más o menos articulación vocal ( cosas de la emoción), lo importante que era para ellos compartir escenario con su ídolo de la niñez.

A medida que avanzaba en el visionado, la emoción interna se manifestaba en mi piel, con el vello completamente erizado, y tras escuchar temas como I just can’t stop loving you o Man in the mirror acabé llorando como una tonta. Se movía con la misma flexibilidad de siempre, cosa que me admiró sobremanera, vamos, que no le encontraba los cincuenta años. Era absolutamente exigente:desde el sonido, que insistía en que lo quería clavado al de estudio pues estaba convencido de que sus fans merecían eso, pasando por su supervisión de los mínimos detalles en todos los aspectos del espectáculo, la iluminación, la dirección artística, todo. Pero cuando veía algo que no le cuadraba, adquiría la actitud de un niño desencantado, preocupado por cómo decir las cosas , incluso con cierto temor a recibir una reprimenda de sus colaboradores, acompañando cada observación de una retaíla de por favores y gracias.Era consciente de lo que pedía, lo tenía todo en su cabeza y en su estupendo oido. Un bajo fuera de lugar parecía dolerle como una patada en la ingle, por no mencionar su mala relación con los pinganillos. Y aún cuando no paraba de repetir que debía reservar la voz para los conciertos, en ocasiones ofrecía casi todo su potencial en los ensayos. Luego él mismo se reñía por ello, pero aún así, lo hacía. Percibí que necesitaba de mimo constante por parte del equipo, y que hacía cosas así debido a esa necesidad; parecía haber establecido un juego infantil de “sí, sé que soy la hostia pero necesito que me lo digáis porque lo que hago lo hago con el alma”. Y ¿cómo negarle esos mimos? Yo no habría podido.Kenny Ortega ( director) era quizás quién más le mimaba;practicaba una actitud en plan ” pequeño, ¿te va bien así o lo quieres de otra manera?Pide lo que quieras por esa boca”

Y mientras disfrutaba viendo todo esto, al mismo tiempo una inmensa sensación de tristeza se iba apoderando de mi, al pensar que no podremos verle nunca más en directo,o quejarnos de habernos quedado sin esa entrada.Nadie podrá sustituir a Michael Jackson y nadie le superará jamás.

De verdad, tenéis que ver This is It.

I Waited- La Casa del Lago

Love theme- Amor con Preaviso

Querido John- John and Savannah

An Education

The Lovely Bones

Reproduzco aqui un artículo estupendo de mi buen amigo Juan Luis Sanchez, siempre acertado en sus comentarios.

”

“Crepúsculo” pasa a ser cine de autor

Los responsables de Crepúsculo han tenido una idea genial para que las películas de la saga adolescente interesen a los cinéfilos sesudos que acuden a los cines de versión original. Han decidido contratar para la cuarta entrega de la saga a un consagrado director del ámbito del cine independiente.

HOMENAJE INESPERADO A JOHN HUGHES

Inesperado y agradecido, pues me imaginaba que se limitarían a incluirlo brevemente en el IN MEMORIAM.Presentado por su musa de la época Molly Ringwald- que me ha costado reconocer-, y Matthew Broderick, ha contado con la también inesperada presencia de Jon Cryer,Anthony Michael Hall, Ally Sheedy, Macaulay Culkin,. Emocionante ver el montaje de todas esas películas que forman parte de la adolescencia de muchos.Aún veo La Chica de Rosa en más de una ocasión, por no mencionar El Club de los Cinco.Encontré a faltar a dos actores también descubiertos por Hughes: Robert Downey Jr y James Spader.( tirad hacia delante unos 30 segundos, que el tipo no lo ha pillado en su punto).

La noche de los Oscars trae de todo un poco. Personalmente,cada año temo la sección de IN MEMORIAM, porque aunque la mayoría de los desaparecidos los conocemos a lo largo del año, hay otros de los que no te enteras hasta esa noche.

Y así como me he reído en las ocasiones puntuales que ya menciono en Films&Music, aqui he llorado en especial con un nombre: Kathryn Grayson.A estas alturas, ya cuento con que la gran mayoría-por desgracia-no tenéis ni puñetera idea de quién era.Por suerte, hay excepciones. Para aquellos que no lo sepan, y para los que como yo, la admiraban:

1922-2010

Kathryn Grayson era una magnífica soprano y actriz , sobretodo conocida por dos musicales de la era dorada de Hollywood: SHOW BOAT y KISS ME KATE. Del primero, para quien no le suene el título en inglés, a lo mejor sí que os suena la canción OL’D Man RiVER, un gran clásico que abre y cierra el musical.Como esa ya la colgué en un especial de hace meses, os dejo uno de los temas que canta Kathryn.

Respecto a Kiss Me Kate, ¿qué puedo decir sobre mi musical favorito? La fierecilla domada versión Broadway, con un elenco impresionante para los amantes del musical clásico.En ella no solo descubrí a Grayson, también a Bob Fosse, Tommy Rall ( Florindo de 7 novias para 7 hermanos), Anne Miller ( las piernas más bonitas de la época),y cómo no, Howard Keel, el barítono más guapo del cine de entonces. Cuando la popularidad de Grayson ,así como del musical, empezó a decaer, se centró  en el teatro, en Broadway, interpretando Camelot durante 2 años y muchos otros clásicos a lo largo de su vida. Ha muerto mayor , por suerte, pero cada vez que se va uno de los clásicos, a mi me toca el corazón muy especialmente porque es como si me tocaran la niñez.

He encontrado este “trailer” con varios fragmentos de la película, que resumen muy bien su calidad musical.Disfrutádlo.

¿NO FALTABA UN NOMBRE EN EL IN MEMORIAM?

Y no uno cualquiera.Farrah Fawcett no se encontraba entre los nombres de la triste lista de este año.¿Por ser actriz de tv,quizás? Ni lo sé ni me importa. Fue un icono en los 70 y creo que ha sido una falta de respeto no incluirla.Primera pregunta sin respuesta.

OSCARS HONORÍFICOS FUERA DE LINEA

Y este año, como son muy listos y tenían que ahorrar, decidieron no incluir los Honoríficos dentro del evento anual porque según ellos, ralentizaba el ritmo del  show y lo alargaba. Bueno, pues como resultado hemos tenido la gala más coñazo que nunca y más larga que nunca, mira tú, y es que no se puede ralentizar el ritmo de algo que no tiene ritmo. Así nos quedamos sin ver cómo Lauren Bacall,Roger Corman y Gordon Willis (dtor fotografía) recibían la merecida ovación de sus colegas de profesión.Por lo visto, sólo les veremos en un IN MEMORIAM, que como los hacen en pack, no roban tiempo.Lamentable.

MÁS PREGUNTAS SIN RESPUESTA

Es un decir, porque conociendo a Murron, fijo que me da respuesta.

Desde que esta mañana se concieran los ganadores de los premios más politizados y comerciales del mundo, los telediarios de nuestro país han hecho incapié en sólo tres cosas:

NUESTRA PE SE QUEDA SIN LA PAREJITA

¿De verdad alguien se creía que junto a las actrices de reparto con las que se disputaba al amigo Oscar, Pe tenía alguna opción? Seriedad,coño. El resultado no es lamentable:era previsible y justo.

UNA PELÍCULA HISPANO-ARGENTINA SE LLEVA EL OSCAR A LA MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Pues mire usted, El Secreto de sus Ojos es una bonita película, pero no es mejor ni de lejos que La Cinta Blanca o El profeta. Además, en la cinta sí hay un inversor español, pero los otros dos son argentinos.De hecho, hasta esta mañana se hablaba de una película argentina con colaboración española y de pronto es hispano-argentina.Tócatelos…

UNA MUJER GANA EL OSCAR A LA MEJOR DIRECCIÓN POR PRIMERA VEZ EN EL DÍA DE LA MUJER

Pues sí,estupendo, me alegro mucho por Bigelow y así lo he manifestado en Films&Music, pero no nos engañemos: es muy triste que la notícia se centre en el hecho de que es una mujer, y no en la calidad de su trabajo.

Y ya está, en este país nuestro no hay nada más relevante de los Oscars.Si no compete a España, nos la suda. Pues no,señores,no es así.Y sólo hace unas horas que ha terminado la Gala y lo único de lo que hablan es del puñetero vestido de Pe, de si Bardem estaba a su ladito cogido de la manita y de que qué lástima que no se haya llevado el Oscar, aunque ya sabía que no partía como favorita.Joder! Pues ni el vestido era tan bonito, ni era la más elegante,coño. Que nos tengamos que consolar con chorradas de esta índole…¡¡¡Dios!!!

Una imagen genial:

Kathryn Bigelow con la pareja y tras ella, el trio protagonista,más feliz que una perdiz

Barbra Streisand lo apuntaba al presentar los nominados:por primera vez una mujer podía ganar el Oscar a mejor dirección, y así ha sido. Como anuncié en mi anterior post, era muy posible que me riera, y me he reído, de felicidad, tonta que está una. James Cameron, contra todas las malas lenguas que señalaban mala competencia con su ex-mujer, ha aplaudido y vitoreado como el que más.No en vano, fue él el que convenció a su ex y amiga a abrazar el proyecto de Hurt Locker. El trío protagonista ha botado, reído y chillado como crios en una fiesta y han arropado a su directora, la profe de la noche. A mi la ganadora de la noche me gustó, pero sigo pensando que con media horita menos, sería perfectísima.

THESE ARE THE WINNERS :

MEJOR ACTOR-JEFF BRIDGES

Lo mejor de una gala de lo más soso, la presentación de los nominados a Mejor Actor y Actriz de la mano de compañeros de films: una tierna Michelle Pfeiffer hablando de Jeff Bridges y su encuentro en Los Fabulosos Baker Boys, Michael Sheen hablando de Helen Mirren, con su impagable sentido del humor ,así como el genial Stanley Tucci hablando de Meryl Streep,con ese tono cínico que me encanta de él. La más sosa Julia Roberts hablando de George Clonney,que creo que merecía más de lo que le ha dicho y con más gracia. El mejor? Tim Robbins,hablando de Morgan Freeman.Tomo nota de la definición de amistad del genial Morgan, tal y como ha explicado Robbins que se lo dijo en el rodaje de Cadena Perpetua: UN AMIGO ES EL QUE TE TRAE EL CAFE CUANDO TE APETECE.¿ME LO TRAES,TIM?

Debo reconocer que he llorado como una cria con ambas estatuillas;la de Jeff Bridges porque,joder, se la merece de largo y desde hace tiempo y la de Sandra Bullock porque realmente su papel en The Blind Side es con diferencia abismal, el mejor de su carrera.

El resto de premios no me han sorprendido.Los de Up eran de justicia, aunque yo sea amante de Coraline, los de Avatar han sido menos de los que esperaba, pero en contrapartida Cameron ha recaudado lo suficiente como para tomarse otras ( espero que no) largas vacaciones, además de haber abierto las puertas a un nuevo universo técnico. Y sí, no dudo de la valía del Oscar a El secreto de sus ojos, pero me tocó mucho los cojones que no vinieran a España a recoger el Goya.

Efectos visuales, Fotografia, Dirección artística

Actriz de reparto (Mo'nique) Guión Adaptado

PELÍCULA, DIRECCIÓN-KATHRYN BIGELOW-,MONTAJE, GUIÓN ORIGINAL,SONIDO,EDICIÓN SONIDO

Actor de reparto

Película animada,Banda Sonora

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Me ha ido bien el insomnio esta vez. Desde el memorable año de Titanic,no había visto los Oscars en directo, y aunque es una chorrada, me encanta ver el escenario del Kodak.

Diez nominadas a Mejor película es más de lo que podemos soportar.

These are the nominees:

Si hacemos caso de la tendencia histórica de la Academia, lo lacrimógeno siempre tira más que otra cosa.En ese caso, Precious encabezaría las apuestas. Pero Up in the Air ha sorprendido satisfactoriamente a la crítica, significando un riesgo serio para ella. UP es una película increible por lo original,lo humana y tierna, pero el día que un film animado se lleve el Oscar a la mejor película, creo que más de uno se tirará daltabaix,al menos allí.

De estas diez, cinco son los directores nominados como tales:

James Cameron por Avatar,Kathryn Bygelow por The Hurt Locker,Quentin Tarantino por Inglorious Bastards,Lee Daniels por Precious y Jason Reitman por Up in the Air. Honestamente, aunque soy Cameronista de siempre, no creo que se lo merezca por mucho que me guste Avatar.Mi apuesta es por Kathryn Bigelow o Jason Reitman, con todo mérito.

UN BUEN AÑO

Este año cinematográfico destaca por su originalidad, ya sea argumental, técnica o ambas,eso es innegable. Pero también destaca por sorpresivo en cuanto a algunos nombres que encontramos en las listas. No voy a entrar en ello, sólo diré que me voy a reir lo mio si Kathryn Bigelow se lleva alguna estatuilla a su casa.*

MEJOR ACTOR                                MEJOR ACTOR SECUNDARIO

Mi apuesta: Jeff Bridges (ojalá) .En los secundarios,no sé quién me ha gustado más.

DUDAS RAZONABLES

En el apartado de Película Animada nos encontramos una sorpresa,pues Tiana y el sapo , que sigue las técnicas clásicas de animación,está nominada junto a dos joyas,Up y Coraline. Personalmente,me decanto por Coraline.No puedo opinar porque no las he visto sobre sus compañeras de nominación,The Secret of Kells y Fantastic Mr.Fox que está amasando un gran éxito de crítica.

GUIÓN ORIGINAL GUIÓN ADAPTADO

Deseo personal: Up ( que no será) y District 9,que tampoco será porque se lo llevará Precious.

Los técnicos los acaparará Avatar,raro sería lo contrario,aunque hay que reconocer que el sonido de Star Trek y el de Transformers  son espectaculares.

ORIGINAL SCORE

En este apartado lo tenemos complicadillo.Todos son buenos compositores,aunque Horner no ha creado su mejor obra con Avatar.Hans Zimmer por el contrario ha creado de nuevo grandes piezas para Sherlock Holmes, pero sin duda,la mejor de entre las nominadas, por sorprendente es UP. Me falta no obstante escuchar la obra de Desplat,un original y arriesgado compositor que aún no me ha decepcionado.

Y poco más.Si queréis más información, aqui os dejo el link a la página oficial.

*para quien no lo sepa o no lo recuerde,Kathryn Bigelow es la ex-mujer de James Cameron.

Estreno : 15 de enero.

Sherlock Holmes, ese CSI pretérito con mucha clase y una seguridad envidiable,regresa a nuestras pantallas con mejor cara que nunca y muy bien acompañado de un Watson que ha perdido su barriga en el cuerpazo de Jude Law.

Una pareja que promete química y humor a partes iguales,vamos ,morbo a granel. Ese será el principal ingrediente del éxito que le auguro a la nueva película de Guy Ritchie,ese cineasta británico del que no espero mucho pero al que parece que la recuperación del más famoso detective de la historia le traerá un poco de luz. Estamos ante una nueva y más divertida visión de las andanzas de la pareja literaria, una recuperación que se agradece ante tanto héroe Marvel y futurista,en la que los piques entre ambos compañeros y las pugnas por quedarse con la chica adquieren relevancia y el apoyo de Watson se convierte por fin en una más justa repartición de méritos. Para los amantes de la acción y de ambos actores, un bonito regalo de invierno.

[There is a video that cannot be displayed in this feed. Visit the blog entry to see the video.]

************************************************************

INVICTUS

Estreno:29 de enero.

Clint Eastwood nos tiene mal acostumbrados.Eso es lo que los expertos del medio critican de la última película del genial actor y director. Lo dicen porque, por lo visto,su nueva oferta carece de la profundidad que inunda la mayor parte de su obra, siendo sustituído por un tono claramente pedagógico que no gusta .Habrá que verlo.

Sinopsis.

Durante las primeras semanas en el cargo de presidente de Suráfrica de Nelson Mandela-Morgan Freeman-, las diferencias raciales son tan evidentes, que el presidente se plantea hacer algo para acercar posturas y que el pais acepte su calidad multiracial y multicultural.Ante la inminente llegada del Mundial de rugby en el año siguiente (1995) a Suráfrica,Mandela se propone solucionar el ambiente con la ayuda del capitán del equipo,Francois Pienaar-Matt Damon-.

Basada en la novela de John Carlin,El Factor Humano.

[There is a video that cannot be displayed in this feed. Visit the blog entry to see the video.]

************************************************************

NINE

Estreno: 29 de enero

Rob Marshall regresa al musical siete años después de arrasar en taquilla y premios con Chicago.

Daniel Day-Lewis,Marion Cotillard,Penélope Cruz,Sophia Loren,Nicole Kidman,Kate Hudson y Judy Dench, un elenco sabroso y de lujo, marcan la diferencia en el escenario y en la pantalla con un musical auténtico, del que se agradece la presencia tras tanta mojigatería mal llamada musical en los últimos tiempos.

NINE tiene su origen en la película de Fellini, Fellini Ocho y medio, de la que se hizo el primer musical en 1982.El tema: Un conocidísimo director de cine italiano pasa por una crisis creativa y personal de la que son responsables las mujeres de su vida, que no son pocas, mientras trata de encontrar la insipiración para su nuevo film tras varios fracasos seguidos.

Por el momento la crítica destaca los excelentes trabajos de Marion Cotillard y Judy Dench y critica la frialdad del personaje principal y la historia.Lo dicho, habrá que verlo.

[There is a video that cannot be displayed in this feed. Visit the blog entry to see the video.]

Algunos de los calificativos que lamentablemente escuché ayer al salir del cine:”Lenta,pesada, no entiendo ná,está guapo  pero la historia es floja,muy lenta…” . Los que no escuché son los de aquellos que salieron del local como si estuvieran en plena confesión o meditación.Lástima no saber cuál de las dos provocó las expresiones de ausencia.

1. EL ENVOLTORIO

La reconstrucción de Alejandría es tarea árdua y lo que nos encontramos en la película de Amenábar confirma que no sólo es un director excepcional. Los documentos e investigaciones sobre la famosa ciudad y su Biblioteca son en el mejor de los  casos ,confusos y aún así, personalmente creo que nos ha acercado a ese lugar y a ese momento de una forma magistral por la sencillez con la que lo ha reproducido. El director nos sumerge en la ciudad y sus maravillas con una naturalidad sobrecogedora.Eso es mucho más difícil que el artificio al que el cine nos tiene acostumbrados, por muy bien hecho que esté.

Mención especial para el vestuario,obra de la oscarizada (por  La edad de la inocencia)  Gabriella Pescucci, en el que se han cuidado los mínimos detalles aunque ,como bien dijo la diseñadora, se hayan tomado licencias para adaptarlo a la historia. Una selección expuesta hasta el próximo 25 de octubre en el Museo del Traje de Madrid que vale la pena visitar sobretodo tras ver el film en el que por ejemplo, el vestuario de Hipatia, desde el colorido claro y luminoso de su época de esplendor avanza,junto con la historia , hacia tonos oscuros y apagados. De la misma manera vemos como las telas, ornamentación y colores de otros personajes pasan por la misma progresión dependiendo de la evolución del personaje.

2.EL CÍRCULO, EL SÍMBOLO PERFECTO

La discusión de la órbita terrestre teóricamente circular es el centro de la vida de Hipatia. Hablamos de una época en que el geocentrismo de Ptolomeo convive con otras teorías menores como el heliocentrismo de Aristarco,punto de partida para la teoría de Hipatia, representante de la búsqueda de la verdad y el saber.

El símbolo aparece así de forma física,cuando Hipatia trabaja en su teoría, y a su vez como herramienta narrativa, con planos circulares que parten de cenitales, contrapicados o de planos generales que son empleados por el director con sobriedad y elegancia. Sirven para mostrarnos la belleza de la Biblioteca ( biblioteca hija, ver siguiente punto), la vorágine en los ataques fanáticos,  y por qué no, la soledad.

En mi percepción de la película, debo destacar el efecto que tuvo en mi la división de la historia en actos que utilizan a modo de  cortinilla esa imagen de fuera adentro de la escena y viceversa.Desde Alejandría nos alejamos hacia el espacio y desde allí regresamos. Ese constante recordatorio de que somos algo insignificante en el conjunto de la creación es necesario y tristemente poético.

3. EL CONOCIMIENTO FRENTE AL FANATISMO

Ágora se desarrolla en el año 391 D.C. Antes de esa época, la ciudad había sufrido muchos desastres, la mayoría de orden bélico interno y externo, aunque también hubieron muchos desastres naturales, como el terremoto del 365 que se saldó con 50000 víctimas y supuestamente hundió el 20% de la ciudad en el mar, incluido el enclave de la Biblioteca. Los cerca de 40.000 tomos que sobrevivieron a ese desastre , se habrían trasladado a la conocida como Biblioteca hija o Bliblioteca del Serapeo, localizada en el Serapeum, templo dedicado al dios  greco-egipcio Serapis, patrón de la ciudad. Por lo que se ve en la película, es en el Serapeo donde nos encontramos pero si alguien quiere rectificarme, por favor, que no dude en hacerlo.

En el momento de la acción, el caldo de cultivo de fanáticos en el que vive Alejandría está a punto de estallar. La actitud tolerante de Hipatia choca con las divergencias violentas de cristianos,judíos y paganos entre los que ella puede mediar sólo mientras son sus alumnos. La religión de Hipatia no es otra que el saber.Los acontecimientos que tienen lugar en la Alejandría de Amenábar me conducen a una reafirmación personal: la religión es el refugio de los que renuncian a aprender.Su doctrina hermética y estancada no lleva a nada nuevo y en las mentes más limitadas, elimina el uso de nuestra principal diferencia con el resto de los animales:el intelecto. Bien reflejado queda en una frase de Hipatia a Oracles en la que le dice que mientras él no puede cuestionarse nada, ella debe hacerlo.

4.HIPATIA DE ALEJANDRÍA de Maria Dzielska

Desconocía la existencia del personaje que nos descubre Amenábar. De lo que he leído, he decidido destacar fragmentos de un artículo escrito hace 3 años con motivo de la publicación de un libro sobre ella.

“Hipatia no era anticristiana, sino una filósofa platónica con las lógicas conexiones y simpatías que en esa época tenía con el cristianismo un pensador de estas características, y que contaba con cristianos entre sus alumnos. Practicaba la sofronise o autodominio: “abstinencia sexual (se mantiene virgen hasta el final de su vida), la modestia en el vestir (manto filosófico), la moderación en el modo de vida y una actitud circunspecta con sus alumnos y con los poderosos”. Su círculo intelectual tiene ciertos rasgos de fraternidad y el deseo de alcanzar la experiencia religiosa como culmen filosófico.”

Como intelectual pagana de la línea griega, Hipatia consideraba que la filosofía perdía su verdadera sustancia si se sacaba de círculos selectos. La verdad divina debe permanecer escondida y en manos únicamente de los nobles. Por razones parecidas, la escuela de Hipatia excluía curiosamente a las mujeres. Al parecer, Hipatia se debía de considerar a sí misma muy especial, masculinizada por su refinamiento intelectual. La autora ilustra esta idea con la siguiente frase de Empédocles: “En una ocasión fui ambas cosas: hembra y varón”.

“(…)tenía fama de ser muy bella, pero no que muriera en la flor de la juventud sino ya a una edad de unos sesenta años. Era hija de Teón, también matemático y astrónomo. Como su padre, Hipatia no fue una pensadora original, pero sí respetada en Alejandría y en muchos lugares de Oriente Medio como una de las profesoras y sabias de mayor categoria de su tiempo.
Entre sus alumnos estaba el prefecto Orestes, una especie de gobernador civil, en pugna con la autoridad eclesiástica que representaba el obispo Cirilo, más tarde elevado a los altares, y culpable del asesinato de Hipatia según la tradición y según muchas fuentes históricas. Al parecer, Cirilo y la comunidad cristiana de Alejandría deseaba el apoyo de la autoridad civil en sus continuos choques con las sectas judaicas. Para Cirilo, el elemento corruptor principal que hacía que Orestes no fuera suficientemente entusiasta hacia el cristianismo era Hipatia. Con la intención de desprestigiarla, pone en marcha a los llamados parabolanos, una fuerza de voluntarios encargados de labores que hoy llamaríamos de asistencia social con los pobres y enfermos, pero que se convertía cuando era necesario en fuerza policial. Estos parabolanos habrían hecho, en primer lugar, correr rumores sobre la maldad, brujería e impiedad de Hipatia, y luego, incitados directamente o no por Cirilo, habrían lanzado a una turba cristiana contra ella. Aunque hay varias versiones sobre la muerte de la sabia, todas coinciden en que fue espontánea y muy violenta. La arrastraron hacia las cercanías de una iglesia, le rasgaron la ropa, la mataron a golpes (utilizando trozos de cerámica como armas desgarrantes) y despedazaron y quemaron su cadáver.”

5.CONCLUSIÓN

Cuando el cine parte de la Historia siempre hay que leerlo como una adaptación bastante libre de lo sucedido, más si se trata de Historia antigua. Las referencias escritas y gráficas que se utilizan como fuentes, son puntos de partida que desarrollan la creatividad de quienes nos descubren un episodio en concreto. Pero lograr llegar al espectador, despertar su interés por ese/esa desconocida, provocar nuevos debates o ampliar los ya existentes con nuevas fuentes, y sobretodo, hacernos sentir, es un arte difícil que, aunque goce de comodidad presupuestaria como el caso de nos ocupa, requiere de un instinto que conlleva una forma de trabajo concreta y de una calidad respetable. Amenábar tiene ese instinto y con Ágora no sólo nos ofrece una historia interesante. También nos demuestra su gran amor por el cine.

Allá por el 2003 dió inicio  la irregular saga Underworld. La historia de esclavos licántropos contra la élite vampírica se ha prolongado por tres entregas hasta el momento. El líder de los peludos esclavos,Lucian, ha sido interpretado desde el principio por Michael Sheen.

Este galés de 41 años con un CV mayoritariamente británico me ha cautivado.Primero lo hizo por su nada habitual atractivo, puesto que no responde  a los patrones de belleza masculina de hoy ( que por otro lado a mi me la traen al pairo). Pero poco tardó en conquistarme por otros méritos. En 2006 el Oscar a la mejor actriz se lo llevaba con todos los méritos una maravillosa Helen Mirren por The Queen. En ese film, Sheen interpretaba al entonces novato Tony Blair. Su pequeño papel lo convirtió en gran aportación para la película, desarrollando con frescura y aparente comodidad al emblemático político.Breve y bueno, muy bueno.

El año pasado nos ofreció lo que para mi fue una espectacular interpretación en Frost/Nixon, película que narra la famosa entrevista que un quasi showman británico de mucho éxito consiguió con un Richard Nixon duro de pelar ; la entrevista, grabada en cuatro jornadas, consiguió el mayor share de la historia de la tv . El tête  à tête con el  gran Frank Langella me impresionó y es que en ocasiones nos olvidamos de que hay vida más allá de los grandes reclamos de siempre, aunque Langella es un clásico. Lamentablemente fue una de las grandes perdedoras de los Premios de la Academia con cinco nominaciones y ninguna estatuilla. Pero Michael Sheen,  que interpreta a David Frost, nos ofreció una sobervia actuación, llena de matices y humanidad.

Y ayer,ayer disfruté de una película cuyo tema me daba exactamente igual: Damned United. El fútbol no me atrae;en deportes soy de baloncesto y de rugby, pero al ver que Michael Sheen encabezaba el reparto, me arriesgué.

Damned United trata de las seis semanas que Brian Clough estuvo al frente del Leeds United en 1974. Secundado  por Timothy Spall ( Colagusano en la saga Harry Potter), entre ambos transmiten una química difícil de encontrar en pantalla.La misma relación de dependencia de los personajes para formar un entrenador único se trasbasa a la interpretación de los actores.Juntos forman un todo que invade la pantalla de profesionalidad y calidad interpretativa. Ha sido la gota que colma mi vaso de confianza. Tuya para siempre,Michael.

LO QUE NOS VIENE DE MICHAEL SHEEN

ARO, líder de los Vulturi en Luna Nueva

UNA CURIOSIDAD
Tanto Michael Sheen com Timothy Spall aparecen en la Alicia de Tim Burton. Cuando Burton le echa el ojo a alguien, nunca es gratuitamente.Al tiempo.

En las almas de las personas las uvas de la ira se están llenando y se vuelven pesadas,

cogiendo peso, listas para la vendimia (…)

Migrant Mother,foto de Dorothea Lange

Es un buen momento para revisar éste clásico. John Ford recibió el Oscar a la mejor dirección en 1940 por la adaptación de la novela Viñas de Ira  de Steinbeck. Retrato histórico del sufrimiento de los trabajadores migratorios de la época durante la Crisis Económica de los 30 para algunos, crítica feroz a la política de las corporaciones y los grandes terratenientes para otros, en cualquier caso estamos  ante  un clásico de obligada visión de un director cuyos méritos, al igual que los del autor, ganador del Pulitzer y el Nóbel, no necesitamos reseñar.

La historia de la historia

John Steinbeck escribió Las Uvas de la Ira en cinco meses en 1936.Previamente y  por encargo del diario The San Francisco News, había escrito siete reportajes sobre la emigración a California de los granjeros del Medio Oeste arruinados por una sequía sin antecedentes, reportajes rescatados hace un par de meses por Libros del Asteroide y compilados en el libro Los vagabundos de la cosecha . El por qué esos reportajes no se habían editado en España, es uno de esos misterios culturales que se pierden en los agujeros negros de nuestro país.

Según Jackson J. Benson, biógrafo de Steinbeck, en la década de 1930 emigraron a California entre 300,000 y 400,000 refugiados de la Región de la Sequía (Dust Bowl).Esa fue, escribe Benson, “una cantidad abrumadora, si tenemos en cuenta que antes de esta migración el número total de trabajadores agrícolas de todo el estado era un pocomás de 200,000.” Las Uvas de la Ira fue muy alabada por crear conciencia a nivel nacional e internacional con relación a tan difícil situación, pero su retrato de las condiciones en las grandes granjas  también enojó a muchos californianos poderosos, quienes llamaron al libro una distorsión de la verdad.

La película

SINOPSIS: Tom Joad (Henry Fonda) regresa a su hogar en Oklahoma tras cumplir condena en prisión, pero la ilusión de reencontrarse con su familia se ve truncada al descubrir que han sido expulsados de las que han sido durante generaciones sus tierras.De esta forma, la famila Joad  emprende un forzado viaje en busca de una oportunidad en la tierra prometida: California.

Henri Fonda interpretó magistralmente al personaje que se conviritió y sigue siendo la imagen del emigrante/inmigrante por excelencia. El uso que hago de ambos términos es consciente; en Tom Joad se refleja el desprecio por el pobre (oki en este caso) y el maltrato hacia el extraño, desgraciadamente inherente a cada término.

La historia de Steinbeck no ha perdido vigencia en lo básico. La película de Ford nos mantiene atentos a la narración y va más allá del retrato social, sumiéndonos en la oscuridad del destino incierto de las familia Joad con una fotografía impecable ( Gregg Toland, luego colaborador de Welles en Ciudadano Kane) mientras lanza descarados toques de atención,denunciando con mano diestra detalles que conforman el suma y sigue de su así están las cosas.

Casey y Joad

La relación clave de esta historia es la de Casey, el ex-predicador, y Tom Joad. Con elegante habilidad,Ford abre la película presentado a dos hombres opuestos: un hombre de acción,Joad, y un ex-predicador reflexivo.Ambos evolucionarán a la inversa, pero de forma complementaria.Casey se convertirá en un hombre de acción de finalmente descubra su misión en pro de los maltratados de la tierra y será su muerte la que despertará la sed de reflexión en Tom Joad.

De finales e interpretaciones

Pero el final del film de Ford no es el de la novela, mucho más temerario ( para la época era imposible filmarlo) y, para mi gusto, excesivamente cargado de simbolismo cristiano-lírico. Tras la última escena de la película, la historia sigue en el libro:

La mayoría de las interpretaciones  se explican perfectamente en este vínculo.

Conclusión

En lo que a mi respecta, la versión de Ford es de visión obligada para cualquier amante del cine que se precie y respecto a ella sólo me queda añadir una pequeña selección de frases que invitan a leer la novela de Steinbeck, a reflexionar sobre los temas que engloban la historia y a preguntarnos si han cambiado mucho las cosas en 70 años.

” A veces el gobierno se preocupa más por un hombre muerto que por uno vivo”

Tom Joad cuando entierran al abuelo con una nota que explica la causa natural de su fallecimiento.

“No se necesita valor para hacer lo único que se puede hacer”

Tom Joad, en respuesta a un tipo que admira la valentía de la familia al atreverse a cruzar todo el país en el destartalado camión.

” Yo trato de ver la verdad, por eso ya no soy predicador”

Casey a Tom Joad.

ACTUALIZADO 22 SEPT

RAVEENA – MR. DJ from Raveena on Vimeo.

El pasado miércoles 16 de septiembre, Ricard LBefan presentó su nuevo videoclip en Barcelona. El público asistente apoyó de nuevo el trabajo del director, que en esta ocasión ha trabajado con Raveena, una jovencísima y prometedora artista hindú.

El nuevo videoclip destaca por su cuidada manufactura in situ, una cualidad admirable en un momento en el que los productos del sector son trabajados en gran medida durante la fase de postproducción. Su  puesta en escena, el excelente cuerpo de baile, la enérgica coreografía, y el sobresaliente trabajo de vestuario y maquillaje dejan constancia una vez más de que estamos ante un gran talento de la creatividad que esperamos  nos siga sorprendiendo.

Mientras disfrutamos de Raveena,tenemos que felicitar a Ricard LBefan por la victoria obtenida en el concurso Puro Cuatro, donde su anterior trabajo  con Cool Frog, “MOVE!”, ha ganado en la categoría POP en la que ha sido una decisión unánime por parte del jurado .Para ellos,MOVE! ha resultado “un tema cañero para la categoría, y sobre todo con un videoclip potente, que no deja a nadie indiferente.”

1-UP

Mi valoración: 10

Pixar es de las pocas que da por sentado que el público tiene cerebro y fiel a ese principio, nos ha entregado una bellísima historia que podemos calificar como la más real de su repertorio.No contentos con eso, dotan al film de una poesía a la que nos están malacostumbrando y a la que debemos añadir esos toques de humor necesarios en los momentos clave del film. Personalmente tras su visionado me quedé muy tocada y a la vez admirada del resultado.

El brillante prólogo de la película nos muestra la vida de la versión animada de Spencer Tracy hasta el inicio del film al tiempo que nos recuerda que todo abuelete ha sido joven, como la mayoría del público que habrá ido a verla.Inteligente forma de acercar la edad a los más jóvenes y despertar la curiosidad por un personaje que ,de entrada, no es de facil acceso. A partir de ahí, se demuestra una vez más que la tercera edad y la infancia no distan tanto entre sí, si no fuera por lo que lo de en medio provoca en nosotros. Brillante.

2-G.I.JOE

Mi valoración: 0

No.No entro en detalles.Fin.

3-WATCHMEN

Mi valoración: 7 ( por el guión)

No he leído el comic original, sólo sé que sus seguidores están cabreadísimos con lo que se ha hecho. Por ende, mi valoración es hípersubjetiva y limitada, pero me gustó la película.Es diferente ( gracias al cómic, que ya por sí solo luce diferente) y mantuvo mi interés a pesar de que el primer cuarto de hora me planteé seguir leyendo alguno de los libros que tengo al retortero. Claro que esto no es bueno para la película como producto. Si los 10 primeros minutos de un film ( 20 ,según su duración) no enganchan, no es un buen film.Mi testarudez me mantuvo frente a la pantalla y acabé enganchada por un guión interesante que plantea un buen debate sobre varios aspectos de la humanidad y el bien y el mal, con algunos diálogos brillantes.

Lástima que el resultado en su conjunto peque de confuso y un tanto mediocre.

4-EXPEDIENTE 39

Mi valoración: 2 ( por la capulla de la niña)

Por petición de una buena amiga, cedí en visionar algo que ya imaginaba mediocre sobre un tema manido hasta la saciedad y carente de sorpresas,adornado con la aparición de Renee Zellweger.

¿Qué me encontré?

Una película mediocre, cargada de tópicos, con final previsible y que no provocó ninguna reacción sorpresiva entre el público mayor de 16 años.

5-QUÉ LES PASA A LOS HOMBRES

Mi valoración: 3 ( por lo distraida)

Un retrato coral de (¿nuevos?) arquetipos a la caza y captura de saber qué quieren y no darse cuenta hasta obtener lo que no quieren. Entretenida.

6-LA VIDA ANTE TUS OJOS

Mi valoración: 6; si hubiera entendido a la perfección las intenciones de la película,sería un 8.

La idea es buena sin ser nueva, que es más de lo que puedo decir de muchas películas, pero el director ha querido ser tan profundo que nos ha hundido en un mar de confusión que sólo él entiende. Deseandito estoy de que nos lo explique. Buen desarrollo, interesantes planos, algunos tópicos narrativos,pero al final de queda la sensación de haber perdido un poco el tiempo, aunque hasta el momento te haya mantenido atento.

7- DISTRITO 9

Mi valoración: 9 ( me encanta que me sorprendan)

He aquí la joya de la corona. A mi modo de ver, estamos ante un film que de entrada lo tenía dificil. Se desarrolla en un país que no es escenario corriente – y esa elección no es al azar-y trata el tema extraterrestre desde la perspectiva del racismo y con una naturalidad a la que tampoco estamos acostumbrados.

Sobresaliente en el concepto y en la presentación.Sencillez de planos en una película en la que prima la originalidad y donde lo más importante es la idea a transmitir. Peter Jackson tiene claro por quién debe apostar.

PRÓXIMA ENTREGA DE CPCÍSIMAS:

FAMA ( Remake 2009) de Kevin Tancharoen, THE ROAD de John Hillcoat y 2012, de Roland Emmerich

CUENTO DE NAVIDAD, de Robert Zemeckis,PLANET 51 de Jorge Blanco y LUNA NUEVA de Chris Weitz